ALFABETO VISUAL

BUSCANDO CONTORNOS

2010-04-26T14:07:00.003-07:00

BUSCANDO CONTORNOS

A obra está sempre em situação profética.

Roland Barthes

Resumo

Investigação da linguagem a partir do pressuposto de uma aproximação possível nas relações entre criação, tradução e crítica, tendo como ponto de partida o questionamento da originalidade sobre a obra de arte e a necessidade de uma escrita como parte da formalização em poéticas processuais.

Palavras chaves

Campo ampliado – conceito – forma – contexto – tradução – metalinguagem - apropriações

Algum lugar, aqui

A partir das questões levantadas pelo curso Forma, formalismo, anti-formalismo[1] e de minha pesquisa plástico-estética como crítico de arte e artista[2], gostaria de propor um debate de posicionamentos – tomando como parâmetro um assunto que se convencionou denominar de campo ampliado (KRAUSS, 1984) – sobretudo no que diz respeito à crítica da pureza formal e ao questionamento da autonomia do objeto artístico.

Mas, mesmo diante da indefinição que a própria idéia de ‘campo ampliado’ faz entrever, nossos limites territoriais chegam a um ponto onde a narrativa, ou melhor, o texto torna-se a materialidade para a compreensão de um conceito. Conceito este que, uma vez expresso, já não pertence mais ao imaginário de uma possível virtualidade concretizada por um ‘anti-formalismo desmaterializado’[3]. Mas, ao invés, podemos criar uma situação textual de enunciação das idéias como lugar de veiculação poética, também, se levarmos em consideração a prática dos povos tupis-guaranis – particularmente ao grupo dos mbiás – em considerar as ‘palavras enfeitadas’ de seus profetas como uma entidade viva, como nos descreve a antropóloga Hèlene Clastres:

As belas palavras são as palavras sagradas e verdadeiras que só os profetas sabem proferir; são a linguagem comum a homens e deuses, palavras que o profeta diz aos deuses ou, o que dá no mesmo, que os deuses dirigem a quem sabe ouvi-los. Ayvu porá, a bela linguagem (é assim que os mbiás designam o conjunto de suas tradições sagradas), é com efeito a que falam os deuses, a única que apreciam ouvir. (CLASTRES, 1978, p.87)

E nesse espaço-tempo de exposição – e exposição de idéias sobre forma – posso tomar tal lugar para exibir idéias plásticas[4], tal como ocorre em uma mostra de obras em galeria ou museu de arte[5]. O que se coloca, assim, é que não só os suportes perdem seus limites, mas também os procedimentos passam a ser de outra categoria que podem se dar além da mera visualidade ou da linearidade direta das relações de forma e conteúdo[6].

Devo alertar, porém, que o presente ensaio, mais do que a defesa de princípios ordenados segundo uma base tecnicista, parte em direção ao desconhecido, sem a intenção de colocar ponto final em nenhum dos assuntos aqui levantados. É, pode-se dizer, mais uma tentativa da abordagem de certos mecanismos criativos que vão se encadeando na medida mesmo em que são colocados em cena, através do texto. Melhor, onde o ruído e o silêncio constituem-se estrategicamente como partes integrantes de um lugar de deslizamentos situado entre as ‘palavras enfeitadas’ e a necessidade de entendimento analítico de um raciocínio.

Situação

Em sua famosa Conferência sobre o Nada[7], de 1949, o compositor John Cage já propunha o “silêncio grávido de sons”[8], criando possibilidades de mudanças nos paradigmas de leitura, debate e criação formal, em arte, que retomavam questões dadaístas, agora sem a negatividade daquele movimento contestatório.

Um desses casos ocorreu em Nova York, no ano de 1952, quando o artista executou sua peça 4’33’’, sentado de frente ao piano, simplesmente sem atacar uma só tecla que emitisse nota musical.

Aquela situação não continha apenas um apelo de humor. Nem era o desvio de um compositor tornando-se performer. Mas chamava a atenção das pessoas para os sons em volta daquele silêncio de música não tocada. Ou seja, um caso que se tornou um clássico exemplo onde o contexto faz com que a obra seja criada no fluxo de seu próprio acontecimento.

O contorno que o elemento artístico promove agora, não é mais uma linha que separa e define dois espaços distintos, um fora do outro, mas, ao contrário, a partir de uma indiferenciação generalizada, cria a possibilidade de dois ou mais espaços e ou situações de se agruparem através das tensões e fricções que geram outros elementos[9] no tempo e no espaço.

Agenciamentos

É impossível descontextualizar a estrutura da forma, ou seja, sua morfologia, em uma obra de arte, por mais “desmaterializada” que esta seja, de seu contexto cultural. O que se transforma é o olhar sobre o que é a arte. E como a arte está inserida na cultura, a própria cultura – ou o seu conceito – sofre transformações.

No texto A morte do autor (1967), Roland Barthes, ao analisar a novela Sarrasine, de Honoré de Balzac, diz que é “a linguagem que fala, não o autor”. Que este seria um “sujeito vazio”, “fora da enunciação que o define” (BARTHES, 2004, p60).

Também o Poeta Paulo Leminski diz, em Ensaios e Anseios Crípticos (1986) que “a poesia está no receptor”, este sim o sujeito que faz a interpretação da obra. E nisso faz coro com Marcel Duchamp, em palestra, de 1957, onde:

“...o ato criativo não é executado pelo artista sozinho; o espectador põe a obra em contato com o mundo externo ao decifrar e interpretar seus atributos internos, contribuindo, dessa maneira, para o ato criativo.”

Ainda que estejamos tratando de figuras lingüísticas cuja especificidade se dá na relação com a linguagem, fica parecendo, em uma primeira percepção, que saímos da ditadura do autor para entrarmos na ditadura do receptor, abrindo espaços para discursos que se lançam em uma espécie de “hackeamento” da obra alheia, retirando-lhe qualquer possibilidade de aprofundamento em conteúdos. Ou seja, discursos que intentam liquidar não só com a autoria, mas com a singularidade daqueles que criam enunciados, decretando um estado de pura horizontalidade e superficialidade nas relações, em uma apropriação característica dos modos capitalistas de dominação[10].

Portanto, é preciso se precaver de armadilhas que colocam as questões que relacionam arte e vida – propostas de participação, compartilhamento e transformação – de uma diluição de conceitos onde o discurso das ferramentas tecnológicas parece transformar a arte em um brinquedo ineficiente e diletante, querendo se sobrepor ao campo do sensível através de comparações ilustrativas[11].

Tentando avançar para além de tais categorias sobre enunciação e recepção, o artista e professor Hélio Fervenza propõe o fim das hierarquias entre autoria e recepção[12], uma vez que estamos nesse ambiente onde a forma é constituinte das relações ‘psicogeográficas e sociais’[13] de fluxos e processos. Mas é de se questionar, porém, o fato de que isto também não deixa de ser uma proposta agenciada por um artista criando meios de fazer circular ‘idéias plásticas’.

In-definição

Para o crítico Rodrigo Naves (2007, p26, pp2) – inimigo ferrenho do ‘anti-formalismo’ – a arte deixa de ser “substantiva” para se tornar “adjetiva”, ou seja, apenas um comentário sobre a própria arte. Tal “anti-formalismo”, nesse caso, poderia ser visto como aquele em que conteúdo e contexto esvaziam a forma em nome de conceitos, mas, mesmo assim, não há como sustentar tal afirmativa, uma vez que esta formulação já nasce em contradição a si própria desde seu enunciado, pois não há como pensar um contido sem uma mínima contenção que seja.

Mesmo defendendo que a arte “mudou de uma questão de morfologia para uma questão de função” e colocando que “a arte só existe conceitualmente”, no clássico ensaio A Arte Depois da Filosofia, de 1969, o autor Joseph Kosuth afirma que a arte é a definição que se faz do termo arte, coincidindo assim trabalho e idéia[14]. Ou seja, a existência de uma depende da outra, atravessadas por camadas sobrepostas ou simultâneas, onde uma não anula nem toma o lugar da outra. Por que não se apoderar de tal paradoxo, então?

Beleza

É nesse espaço entre fluxo e concreção – seja por alternância, seja por simultaneidade nas relações entre forma e conteúdo[15] – que é possível estabelecer um diálogo onde texto e imagem, palavra e ação podem ser colocadas em uma circulação de sentidos que esteja além do objeto de arte como elemento autônomo. Que esteja “além da pureza visual”, parafraseando o título do livro do artista Ricardo Basbaum, de 2007.

Isso se abre para a articulação de processos narrativos que, como um leque ou um mapa de uma cidade, se pode seguir por vários caminhos. E tais caminhos podem ser atravessados, agora, por várias mídias, que são como condutores, ou, veículos de encaminhamento poético.

Quando Beuys diz que “toda pessoa é artista”[16], ele não está dizendo que todos se tornarão pintores ou atores. O que ele coloca é que todos somos um tipo especial de artista naquilo que produzimos.

Essa é uma maneira de pensar a vida passando pelo campo da cultura e para além do campo da economia, tal como prega o próprio Beuys, já no início dos anos 70, em uma palestra intitulada “La rivoluzione siamo noi”[17].

Esse campo da cultura é o campo de saberes relacionais, onde tudo é atravessado pelo que designamos com o nome de beleza, ou seja, “o equilíbrio harmonioso das formas, sem gasto excessivo de energia”[18]. Assim, o cotidiano carregado do permanente estado de impermanência[19] torna o que é texto analítico e crítico em obra, também. Faz da palavra, imagem. Do texto, ação. Ação essa que é, também, política e educativa, na medida em que propõe relações de envolvimento, participação e compartilhamento entre as partes envolvidas.

Como coloca Nicolas Bourriaud: “La forma de la obra contemporánea se extiende más allá de su forma material: es una amalgama, un principio aglutinante dinámico” (BOURRIAUD, 2006: p26).

Tradução como mediação

Em Empirismo Herege, de 1982, o escritor, poeta e cineasta Pier Paolo Pasolini nos fala do “cinema de poesia”. E que a tarefa do criador seria a de entrar na subjetividade do outro, para, a partir dali, traduzir em imagens aquilo que, de certa forma, já estaria dentro do espectador. A tarefa, então, do artista, seria a de revelar o que já está subjacente à consciência que traduz significados[20].

Trazendo o conceito de ‘língua adâmica’ a partir de Walter Benjamin, o professor Rogério Luz deixa claro, em seu curso A imagem da Arte como Tecnologia da Escrita[21] que a crítica deve ser entendida como tradução. Para ele “toda escrita é, de certa maneira, tradução”, sendo que o original “já é uma tradução e não pode ser, portanto, um ‘objeto de análise’ e de síntese conclusiva” (LUZ, 2008: pág 28, inédito).

No capítulo intitulado Crítica de Poesia, o professor Rogério Luz indica um caminho, um percurso onde criação, crítica e tradução parecem não mais divergirem nas operações de linguagem, mas criam cruzamentos ativos e de sentido que levam à mesma direção de enunciados entre essas três atividades aparentemente tão distintas, cujo interesse pela forma é de radical importância:

Letras de fogo compõem as palavras que Deus mostra a Moisés: pronunciadas pela atordoante voz divina, somente o eleito pode escutá-las e transcrevê-las em uma outra escrita, agora acessível à leitura dos humanos. A lei mais fundamental de toda escrita é luz cega e voz inaudível: a leitura, que faz com que tal lei se realize, é escuta da mudez ensurdecida do escrito, olhar sobre o inescrutável. (LUZ, 2008: p.42)

E é no mesmo sentido que o poeta, crítico e tradutor Haroldo de Campos discute a tradução e a crítica como metalinguagem, propondo que o tradutor se envolva na linguagem poética do autor do texto original para conservar a subjetividade que dá ‘alma’ ao texto. Mais do que traduzir palavras – e ainda que a tradução indique traição – cabe ao tradutor trazer à tona a carga sentimental, sensorial e perceptiva do texto em seu estado originário:

“Crítica é metalinguagem. Metalinguagem ou linguagem sobre a linguagem. O objeto - a linguagem-objeto - dessa metalinguagem é a obra de arte, sistema de signos dotado de coerência estrutural e de originalidade.” (CAMPOS, 1992, p.11)

Ora, estamos repletos de referências onde a criação é vista como uma re-criação, ou uma tradução, ou, até, de que toda criação é uma espécie de apropriação. Uma das frases, tornadas clichês, vem de um ícone da arte renascentista, o escultor Michelangelo Buonarotti (1475-1574), que haveria dito que a missão do escultor era libertar as formas que estavam ocultas dentro da pedra.

Dentro da língua adâmica perdida pela babelização, tudo está escrito no livro do Mundo, podendo ser entrevisto como possibilidade de linguagem e como pensamento para a criação, em arte. O que não deixa de ser, também, uma espécie de mimese, ou, metáfora da própria Criação Original[22], levando em conta os termos descritos acima.

Atualidade cultural

Assim, pensar a forma no sentido da mediação é pensar a dimensão cultural como lugar onde as trocas se dão por apropriação e, de certo modo, por cópia, ou plágio-combinações[23] entre partes distintas. Ampliando, assim, o debate sobre a questão da pesudomorfose, de que nos fala Yve-Alain Bois sobre um conceito retirado de Erwin Panofsky, qual seja, “o surgimento de uma forma A, morfologicamente análoga, ou mesmo idêntica a uma forma B, que, no entanto, não mantém relação alguma ao ponto de vista genético”. Ou seja, já não se trata de voltarmos ao discurso modernista sobre originalidade ou não, mas de pensar a forma enquanto potência[24].

Aqui se problematiza outra questão, uma vez que a cultura do CRLTC CRTLV – ou seja, copiar e colar – da internet impede-nos de qualquer tentativa de querer entender a questão da forma através do discurso de uma gênese a priori. Além disso, como as relações entre partes – na arte contemporânea – não se dão, obrigatoriamente, por sínteses, mas por camadas de relações, muitas vezes, díspares, é preciso criar modos de operacionalização das informações que nos possam orientar e criar sentido de filiação nessa imensa e intrincada teia de construção de signos que se desdobram incessantemente uns sobre outros[25].

Por ora, apenas gostaria de sugerir um vasto campo de debate pela frente que, necessariamente passa por um outro tipo de cultura, ligada aos conceitos de Copy Left e Creative Commons, como aqueles pregados por coletivos ativistas como Wu Ming. Aqui a questão da propriedade não está ligada ao lucro e nem vinculada a uma autoria que faz uso dessa autoridade para garantir poder, mas às possibilidades de trocas criativas em redes solidárias e compartilhadas[26].

Assunção

Desse modo, posso assumir este espaço de fala/texto que me é concedido como espaço público, como espaço político, como espaço poético em que o cotidiano se amplifica e se aprofunda tanto quanto lâmina de punhal cortando a carne da ilusão sensorial, da abstração vazia de signos de pensamento e, fazendo disso uma possibilidade de multiplicação da percepção. Agir no sentido em que a falta, o erro e a dificuldade tornam-se motor propulsor de possibilidades[27].

A proposta, então, que se dá no sentido de pesquisa formal, é ressaltar a heterogeneidade no espaço público da criação, não como um lugar para as utopias (não-lugar), mas de heterotopias, como conceitua Foucault:

“Também há, e isso provavelmente existe em todas as culturas, em todas as civilizações, lugares reais, lugares efetivos, lugares que estão inscritos exatamente na instituição da sociedade, e que são um tipo de contra-espaços, um tipo de utopias efetivamente realizadas nos quais os espaços reais, todos os outros espaços reais que podemos encontrar no seio da cultura, são ao mesmo tempo representados, contestados e invertidos, tipos de lugares que estão fora de todos os lugares, ainda que sejam lugares efetivamente localizáveis.” (Conferência apresentada no Cercle d´études architecturales, em 14 de março de 1967, na Tunísia)

Tal espaço real toma como possibilidade de ação desde as propostas de conexões por redes de internet, passando por intervenções urbanas, usos de meios de comunicação – jornais, canais de tv, rádio, etc. – salas de exibição de arte, na Universidade e, mesmo, este lugar de ocupação de páginas, letras e leitura, onde a arte não precisa ser artificializada para se tornar potência, menos ainda tornar-se artefato decorativo, ainda que seu desejo de linguagem seja constituir-se como ayvuporá.

Assim, é nessa assunção enquanto produtora de possibilidades de deslizamentos e rearranjos dinâmicos de diferentes camadas de percepção que uma fala e uma presença podem criar suas razão em busca de contornos. Contornos que se ocupam de uma temática que é gênese não só da arte, mas do próprio pensamento tornado (sobre)nome, ou seja, matéria conquistada e assumida[28].

RJ, 12/08/2008

BIBLIOGRAFIA

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[1] Disciplina: Arte e Cultura Contemporânea. Docentes: Profs. Dra. Vera Beatriz Siqueira e Dr. Roberto Conduru. 1º Sem. 2008.

[2] O trabalho de conclusão de graduação apresentado por mim, em 2004, na Universidade Estadual de Londrina, Pr, versa sobre a dimensão da Arte em relação à Vida como Experimento, ou melhor, em uma dimensão de ações experimentais. A.V.E. – ave é vôo, saudação, palíndromo da primeira mulher.

[3] O deboche da canção “Bienal” (Zeca Baleiro e Zé Ramalho, 2000), bem provoca tais discursos: “...Desmaterializando a matéria/ Com a arte pulsando na artéria/ Boto fogo no gelo da Sibéria/ Faço até cair neve em Teresina...”

[4] Em palestra realizada para estudantes de cinema, em 1987, o filósofo Gilles Deleuze, faz a seguinte definição: “uma idéia é algo bem simples. Não é um conceito, não é filosofia. Mesmo que de toda idéia se possa tirar, talvez, um conceito.” Tradução de José Marcos Macedo, publicado na Folha de S. Paulo de 27/06/1999. Consulta em 01/08/2008, 17h: http://escolanomade.org/tiki-read_article.php?articleId=42

[5] Não só a galeria e o museu, mas a rua, o jornal, a internet e tantas quantas forem os lugares, suportes e mídias de comunicação.

[6] “Dentro da moldura da ‘arte conceitual’, fazer arte e fazer um certo tipo de teoria da arte constituem, muitas vezes, o mesmo procedimento.” Art & Language in Escritos de Artistas: anos 60/70 (p238 pp1)

[7] “...Eu não tenho nada a dizer
e estou dizendo
e isto é poesia
como eu quero”.

Tradução de Augusto de Campos, in O Anticrítico. SP, Companhia das Letras, 1986).

[8] “De Segunda a um ano”, de John Cage. Tradução: Augusto de Campos, SP, Hucitec, 1985

[9] O cineasta Serguéi Eiseinstein, em texto de 1929, sobre montagem e edição cinematográfica, lança mão dos recursos do ideograma chinês e, principalmente, do hai-kai japonês, apontando que, na concisão formal desses poemas de três versos, o primeiro verso cria uma relação com o segundo, fazendo com que o terceiro verso seja complementar e distinto dos outros dois, dando sentido ao poema.

[10] BOURDIEU, Pierre. O mercado dos bens simbólicos. In: A economia das trocas simbólicas. (org.

Sérgio Miceli). São Paulo: Perspectiva, 1974. Pp. 99-181.

[11] Seria o caso de se debruçar mais seriamente sobre tais medidas comparativas, uma vez que os discursos que pregam a arte tecnológica estão contaminados de um triunfalismo que diz que o ambiente da web acabou com a noção de autoria, é participativo e desmaterializado, tentando seguir uma linha direta desde os dadaístas até a arte conceitual.

[12] http://www.concinnitas.uerj.br/pdfs/rev8pdf/fervenza.pdf

[13] Teoria da Deriva: Texto publicado no nº 2 da revista Internacional Situacionista em dezembro de 1958. Guy Debord e outros. http://www.agbsaopaulo.org.br/node/109

[14] COTRIM et FERREIRA, “Escritos de Artistas anos 60/70”, p217, pp3.

[15] O Dentro é o fora – obra de Lygia Clark, 1963 e “o vaso contém o fora”, Heidegger, 1979.

[16] No original, de 1972: “Jeder Mensch ein Künstler”.

[17] Opus cit. “Escritos de Artistas anos 60/70”.

[18] I CHING, hexagrama 22, que ainda diz: “o firme e o maleável unem-se alternadamente e criam formas...”.

[19] A impermanência é um conceito de prática espiritual de doutrinas Budistas, como o Zen, que prega desapego aos bens materiais.

[20] Pasolini faz uma distinção entre cinema de prosa e cinema de poesia. Na prosa, o importante é o tema, o objeto, aquilo que está sendo mostrado. Por outro lado, na poesia, não importa tanto o que se fala, mas "como" se fala. O estilo se torna protagonista, e as escolhas do realizador (seja ele poeta ou diretor de cinema) ficam mais evidentes ao espectador, apesar de seus significados permanecerem mais abertos ou até misteriosos.

[21] Curso ministrado no programa de Pós-graduação do Instituto de Artes da Universidade Estadual do Rio de Janeiro, 1º semestre/2008, do qual o autor deste texto fez parte.

[22] Gênesis – do grego Γένεσις, "origem", "nascimento", "criação". http://pt.wikipedia.org/wiki/G%C3%AAnesis (consulta 09/08/08, às 3h)

[23] “...terminou a era do compositor, a era autoral, inaugurando-se a Era do Plagicombinador, processando-se uma entropia acelerada”. Tom Zé, cantor e compositor, em release para o lançamento do CD Com Defeito de Fabricação, de 1998. http://www.tomze.com.br/pdefeito.htm (consulta: 09/08/08, às 3h)

[24] Nos idos do inicio dos anos 90, em São Paulo, conversando com o coreógrafo e dançarino Klauss Vianna (1928-1992), observei que o método que ele aplicava a seus alunos era similar ao pensamento de Lao Tzu, o pai do Taoísmo, sobre a relação das energias opostas Ying e Yang. O mestre voltou-se para mim e perguntou: “ele diz isso?” Eu respondi: “sim” O mestre retornou: “então ele está certo”.

[25] “... a forma toma consistência e adquire uma existência real só quando põe em jogo as interações humanas; a forma de uma obra de arte nasce de uma negociação com o inteligível”. Bourriaud, in Estética Relacional (2006. p22 e p23)

[26] Sobre Wu-Ming (coletivo de escritores italianos), Creative Commons e Copy Left, entre outros, basta um search de buscas na internet para encontrar informações como: “Está autorizada a reprodução, difusão, exposição ao público e representação, desde que sem fins comerciais ou de lucro, e com a condição que sejam citados o autor e o contexto de origem. Está autorizada a criação de obras derivadas, para as quais valerão as condições acima.” http://www.wumingfoundation.com/italiano/bio_portugues.htm

[27] Jardelina da Silva, uma mulher analfabeta, tida como louca na pequena cidade em que morava, uma vez colou a letra F em sua blusa e saiu desfilando a letra que carregava. Alguém lhe disse que a letra estava colada de forma errada na blusa, porque o F deveria estar de pé e não deitado como havia sido feito, ao que Jardelina retrucou: “mas esse ‘fê’ está morto, ele não pode se levantar mais.” Mais: a letra L inscrita no abdômen do escritor Yukio Mishima, cometendo seppuku (harakiri).

[28] Deleuze: pensamento como matéria. Beuys: pensamento como escultura. Fótons que se movem enquanto pensamos.

Deu é amor

2009-11-05T07:39:00.000-08:00

Rubens Pileggi Sá

Faltando, se preenche
Começa assim. Melhor, começa com. Começa pelo meio, já é.
É o olhar, melhor, é a percepção que vai sendo educada para tirar – cada vez mais e com mais sutileza – do cotidiano, aquilo que se torna raro, aquilo que se torna caro e que, devolvido ao cotidiano, faz-se inaugurar uma brecha, uma fissura, encarnando uma infiltração com a qual, depois desse gesto, não se poderá voltar a ser o mesmo[1].
A queda de uma letra no meio de uma frase e pronto, aquilo ressignifica todo um discurso religioso, modifica toda uma possibilidade de apreensão dos fatos, desvelando algo que potencialmente estava inscrito lá, mas que ninguém tinha percebido ainda: Deu, é amor! Um S descolado de um letreiro de igreja, pendurado por um último parafuso que ainda resiste, mas in-utilizando a frase, tornando-a mais do que é, dobrando sua significação[2].

No contexto do real
Narrativas das façanhas cotidianas exigem contexto para que a idéia se multiplique em sensações, mesmo que nada se transforme em termos materiais, mesmo que nenhum objeto seja colocado no lugar, gritando por uma significação[3].
No centro de São Paulo, na rua São Bento, homens à paisana gritam “ótica, ótica, ótica”. Repetem tanto a frase que a cacofonia é explícita. No conturbado cotidiano das ruas centrais de São Paulo impera o caos dos objetos sendo vendidos no grito, pessoas correndo, passando, camelôs, homens-sanduíches, enfim, no centro de uma cidade óti-caótica-ótica alguém usa uma informação redundante, como se aquilo fosse um ponto cego de visão.

“Ponto Cego”, de 2007, de Rubens Pileggi Sá, disponível em: http://www.youtube.com/watch?v=wM5MIvbuqBM

Roubar do cotidiano que nos rouba – exigindo respostas concretas a um mundo de informações, mensagens, prestações de serviços e tudo aquilo que seria para melhorar a nossa vida, mas só nos põe em pânico, neuroticamente, como em uma fila de dominós caindo uns sobre os outros, se autoperpetuando em necessidades efêmeras, em planos de saúde, segurança, conforto, gastos, prioridades inventadas – é quase um milagre[4]. E milagres é o que fazemos, quando, por exemplo, suspendemos nosso olhar objetivo e, com tanta objetividade quanto, compreendemos que a lixeira suspensa na calçada defronte as casas é o altar de oferendas do catador de lixo, atrás de seu precioso tesouro. É no tecido da realidade que tiramos nosso sustento, coletando e colecionando façanhas em nosso carrinho de textos, muitas vezes lixo para quem não sabe ver o valor extraordinário das coisas comuns[5].
Vivemos na maioria das vezes como maquininhas padronizadas em um sistema complexo que não abre brechas para a poesia. Aí está nosso alvo, então. De tanto ligar para a empresa de telefonia pedindo para suspenderem as ligações telefônicas durante a temporada que estaria viajando para fora do país, Edson Barrus começou a gravar as conversas com as atendentes da empresa, que sempre pediam para que ele ligasse “daqui uma hora” e isso foi ficando cada vez mais longo e constrangedor e é irresistível, menos do que ficar indignado, ficar com vergonha de algo que a gente não sabe bem o por quê. Não foi o gesto do artista que proporcionou um trabalho criativo, mas a ação do cidadão, revelando uma situação limite que foi parar na internet acessível a quem quiser ver aquilo que ele faz, misturando arte e vida.

“NET Central de Relacionamento: 4044-7777”, de 2008. Trabalho de Edson Barrus, que pode ser consultado em: http://br.youtube.com/watch?v=ae1kX8LR2E4&feature=channel_page

A síntese da análise
Em nossa época, o conceito de temporalidade é assumido como característica da obra e do processo de arte[6]. Isso quer dizer que partes diferentes de um mesmo conjunto podem ou não formar um só corpo e ser chamado de obra, modificando a relação entre a percepção analítica e sintética[7]. Contar uma história sobre uma pesquisa em processo, sem chegar a resultado nenhum pode ser tão “artístico” quanto uma escultura em bronze exposta no museu. Muitas vezes, o receptor, o “antigo” público, o espectador que agora passa à categoria de participador é quem deve ser mais criativo até, do que o próprio artista, criador de charadas.
Mas a linha clara, que aceita o trabalho de arte como uma resposta imediata a uma situação, também é merecedora, ainda, de nossa inteligência sensível. Aquela sacada direta, que vai ao ponto onde é preciso ser tocado. O chute de primeira, do sem pulo que faz a massa levantar na vibração do gol. Não é essa a impressão que dá a arte quando parece que tudo deveria ter sido da forma como foi feito, nem mais nem menos?
Paradoxal? Pode ser. Mas se estamos falando de arte, esperamos sempre uma virada de significado que nos prenda a respiração, que nos faça extasiar e depois nos coloque de volta ao planeta, embora nada mais esteja no lugar. Do contrário, é como achar que a prosa é poesia é ficar sem nenhuma das duas. E a poesia que é poesia, mesmo, não está para prosa[8], diga-se.

Tridente de Nova Iguaçu.
Cal sobre encosta do Morro do Cruzeiro, Nova Iguaçu. Alexandre Vogler, 2006.
foto: acervo do artista

Ca(u)sos
Quando Alexandre Vogler foi convidado pela prefeitura de uma cidade vizinha ao Rio de Janeiro, Nova Iguaçu, para fazer um trabalho lá e o dinheiro prometido para o trabalho era menor do que o estimado, o que ele fez foi aceitar o novo orçamento, usar outro material e fazer outro desenho no lugar daquele planejado. O resultado foi um tridente pintado com cal branco em uma enorme pedra, cuja visibilidade era flagrante para quem passava naquela região. Do cemitério era possível ver, atrás, o enorme símbolo pintado.
Os evangélicos viram naquilo o símbolo do demônio. Os católicos se revoltaram. Jornais da imprensa marrom começaram a criar sucessivas matérias com aquela história. O jovem prefeito, um ex-líder de estudantes, do partido comunista, ao lado de padres e pastores, rezou uma missa para espantar o mal do local. Não podia perder seus fiéis, isto é, seus sagrados votos. Tudo isso sob o foco da imprensa.
Foram chamados os especialistas de várias áreas. Também os ecologistas, que alertaram para o perigo do pó branco poluindo o planeta. E resolveu-se que iriam fazer do local algo como um santuário. E iriam plantar flores no local. Mas veio uma chuva, limpou tudo e acabaram-se as especulações. Não sem antes ter tudo sido atribuído às rezas, que fizeram Deus lavar o chão conspurcado.
Vogler ainda reuniu todo esse material publicado e o re-publicou em uma revista de arte[9], transformando-o – agora sim – em uma estratégia de inserção de um processo de arte. Não foi o desenho, quer dizer, não foram as qualidade estéticas do traço do desenho que despertou tal interesse no público, mas a ação do artista trouxe questões para o mundo da arte que vieram de fora do mundo da arte, em princípio, alterando o cotidiano das pessoas e fazendo-as refletir sobre uma imagem[10].

“Ônibus Incendiado”, trabalho de 2003, de Guga Ferraz

Estratégias e táticas
A eficácia de uma ação é um dos componentes que ajuda a fazer com que um trabalho possa ser considerado ou não arte. Sua potência reside no fato de como mostrá-lo. Mas há aquelas que ganham, e muito, quando respondem a uma determinada situação que se faz presente, na urgência do instante. Táticas de guerrilha versus estratégias de guerra, como dizia o poeta Leminski[11]. Na guerrilha não há uma hierarquia, como na guerra, possuidora do rigor e da ordem militar, criando um sentido de vanguarda. Vanguarda esta que não se reivindica mais[12]. Nossa potência se insere mais no caráter das insurgências, das revoluções no cotidiano: mudança na rEtina, mudança na rOtina. No oco do buraco da letra O, como a olhar através de um binóculo, ampliar a leitura do mundo.
De fato, o que estamos tentando fazer é responder, pontuar e, muitas vezes, anteceder aos fatos, na urgência do instante que irrompe com velocidade e fúria. Romantismo? Tanto quanto o anagrama de Iracema dá América. A estratégia é dependente do estabelecimento de lugares, já com a tática muda-se de posição mesmo jogando com os mesmo dados, ou texto, ou letra[13].
Quando Guga Ferraz colou os adesivos representando labaredas sobre as placas indicando parada de ônibus, aquilo teve uma força incomensurável. O Rio de Janeiro vivia uma situação bizarra em que, todo dia, se queimavam ônibus na cidade. Ao amplificar um dado comum, Guga cria uma reverberação para aquilo que faz, tornando seu trabalho bastante político e crítico. Seu Bush impresso em serigrafia em pano de chão, no auge da invasão ao Iraque, é um exemplo disso. Conhecer o contexto e produzir a partir da realidade dada é a fonte criativa que temos encontrado para responder questões que, muitas vezes, antes de formulá-las, sentimos e precisamos expressá-las.

Ducha: “Tatuagem sobre homem mal remunerado”, Galeria Itaú Cultural, São Paulo, fevereiro de 2002.

Há outras possibilidades de criar tensão mesmo estando em uma situação institucional onde se espera ver “arte”. O trabalho em que Ducha paga um homem para tatuar na cabeça o símbolo de um banco e ir ao vernissage pela qual foi convidado a participar como artista, exibindo-o como trabalho seu, na galeria de arte deste mesmo banco, causou um sério desconforto nos patrocinadores e mecenas da arte, que preferem a arte domesticada, pendurada na parede, do que o uso, no limite da ética, de alguém como cobaia.

Arte até quando não se espera encontrá-la
Quando falamos em narrativas, estamos nos remetendo a isso mesmo, a uma literatura, ou melhor, a uma “contação” de histórias. Toda arte – mesmo um quadro modernista – está envolta em uma narrativa de histórias[14]. De façanhas mais ou menos heróicas. E a arte que prende, fascina, retira, mesmo que por um instante, o espectador de seu confortável lugar analítico e racional, suspendendo sua respiração, esta se torna épica.
Nesse caso, falamos em épica, aqui, no sentido de atravessar o mar, quer dizer, de passar de um lugar a outro, de um mundo a outro, refazendo o ciclo constante de vida e morte através de superações[15].
Ao mesmo tempo em que sabemos que não há autonomia do objeto artístico, sempre ansiamos, nesses casos, para que as relações entre narrativas – texto e contexto – atrapalhem o menos possível aquilo que possa tocar nossas sensações. Vale dizer, ansiamos pela imagem pura, pelo que nos toca de imediato sem a interferência da racionalidade. Antes do juízo crítico ou da dúvida ansiosa sobre o que queremos, de fato. Emborae saibamos que “a pureza é um mito”.
Ainda mais quando a relação é direta com o público, sem a intermediação de uma galeria ou de instituições artísticas, lugares onde, de fato, se espera encontrar ARTE e então nos decepcionamos, muitas vezes[16]. Do outro modo, quando a relação entre arte e vida se dá dentro do cotidiano das pessoas que nem sabem o que é ou não e arte, isso tem um outro tipo de potência[17]. É aí que se verifica a prova dos nove[18], pois diferentemente do jornalismo – e, ainda que se questione se a arte deve comunicar, também – a arte se qualifica por sua natureza não funcional e, menos ainda, como instrumento de poder. Como um gás extremamente volátil, ela sempre acaba encontrando vão e brechas para circular além da ordem racional imposta[19].

“A fonte”, intervenção de 1998. Rubens Pileggi Sá

Não é uma questão de “artistizar” a vida, conferindo-lhe uma artificialidade estranha, em nome de um estilo ou de uma forma pré-concebida. O grau de eficácia de uma ação nem sempre é o reconhecimento por parte da mídia de um novo herói das artes visuais. Isso quase nunca acontece. Nem mesmo o impacto de uma ação, causando polêmica, uma vez que a polêmica pela polêmica não leva a lugar algum.
É possível que ninguém fique sabendo daquela atitude de colocar as mudas de frutas na rua, que você teve o cuidado de plantá-las. Ou quando você urinou em um trecho da avenida e chamou aquilo de escultura, determinando um território de ocupação. Ou participar de uma bicicletada. Inventar um “dia do nada” e chamar outras pessoas para participarem. Mostrar a bunda para a polícia. Ser artista, ser ativista[20]. Estar no limite entre a arte e a traquinagem. Mas ninguém vai lhe roubar o fato de ter se atrevido a mudar a forma de ver as coisas por ângulos que transgridem a funcionalidade esperada e padronizada imposta pelos dirigismos do estado ou do mercado. Saltar e assaltar o cotidiano com a arma da poesia, com o milagre de encontrar em um jogo de palavras algo que está além do mero trocadilho barato, mas que, nem por isso deixa de satisfazer ao mero trocadilho barato, ainda que seja com responsabilidade sobre aquilo que é feito.

Obra Ob(r)a
Ninguém reivindica, nessas alturas do campeonato, novas formas, até porque isso iria contrariar a própria idéia de ação que estamos propondo.
O artista brasileiro Hélio Oiticica já se apropriava de eventos acontecendo na rua, chamando isso de “estado de arte”, como nos conta em “Aspiro ao Grande Labirinto”, em um texto escrito em 1966. Diz que entra em uma apresentação de uma banda, na rua, em um coreto e aquilo se torna arte, parte de seus propósitos de parangolé e arte ambiental[21].
Chegamos a um ponto, então, que tudo pode ser declarado com o nome de Arte. E se tudo é arte, então para que pensar sobre a arte ou sobre qualquer coisa? O fato é que o movimento e a mudança não deixam o processo se tornar estanque. Há leis interiores se refazendo constantemente. E, além disso, o artista plástico, artista visual, enfim, o artista trabalha – ainda que seja o pensamento e que o pensamento tenha a propriedade de criar conceitos – a matéria. E sendo o planeta todo feito de matéria, necessitamos compreender sobre aquilo que estamos fazendo[22]. Olho pela janela do quarto onde escrevo estas linhas e, antes que meu olho tome a paisagem, vejo no anteparo de madeira do basculante da janela um adesivo onde está escrito: “atenção: percepção requer envolvimento”. Somos livres para fazer o que quisermos, desde que estejamos comprometidos com o que queremos[23].

Um pequeno grande mo(nu)mento
Nesse sentido, o que está em jogo é a veiculação das possibilidades de circulação daquilo que o artista realiza, seja em que domínio for, uma vez que sua arte não está restrita a técnicas, suportes ou meios. Podemos fazer dela uma proposição para ser veiculada tanto na internet, quanto para outros meios de comunicação, como o rádio, o jornal, a tv ou o espaço urbano ou rural. Tanto para um quadro na parede quanto uma escultura de objetos reciclados ou um sopro. Não há fronteiras.
O que se coloca, assim, é que a realização dessa arte de atitudes, de ativismo ou do nome que se queira dar a ela – relacional, colaborativa, vivencial, crítica, de ação, etc. – convoca cada pessoa para subverter o cotidiano, a preencher o que é do comum com outra relação que não esteja somente vinculada à aridez racional dos lugares. Ao invés da construção de monumentos, o bater em retirada, o golpe enviesado, a busca pela diagonalidade, pelo atravessamento. Um agir e se esconder, deixando apenas resíduos como vestígios do acontecimento. Onde foi? Quem foi? Agora, já passou!
Pensar a experiência da arte como uma brincadeira espontânea de criança. Ao mesmo tempo, como um guerrilheiro que se move ladino no terreno a ser conquistado. Ser afirmativo e não negar o real. Fazer da falha, do erro e da precariedade, motor propulsor de linguagem poética[24]. Devemos ser éticos, a lei que nos siga. Legítimos, não legais, exatamente[25].

Canibalismo
Quando Ronald Duarte instalou o “Funk Proibidão da Coroa” (ou, “Proibidão da Coroa”) no Museu Imperial, fazendo uma analogia entre palavras e imagens com contextos conflitantes, como o Morro da Coroa – favela conhecida pelo tráfico, no Rio de Janeiro – e o quarto da princesa, filha do Imperador, o dispositivo que foi acionado não era mais o do antropófago que devora simbolicamente a força do inimigo[26]. Nem ao menos cabe o estruturalismo do pensamento selvagem[27] para que o guerreiro adversário ganhasse tal apego à vida, que tivesse medo de morrer. Nada disso, trata-se agora de ataque explícito contra o colonizador. De devoração pela fome, sem rituais. Comer a galinha dos ovos de ouro no almoço sem saber se vai ter ou não a janta. Não somos dignos de esperanças futuras, não fomos merecedores das glórias conquistadas no passado, só temos nossos dentes afiados para arrancar os pedaços da carne saborosa e macia da contemporaneidade.
O trabalho do Ronald, desse modo, é um respeitável exemplar de ato canibal puro e simples (se é que podemos falar em pureza e simplicidade) que responde aos discursos da multiculturalidade[28] abocanhando o turista etnográfico desavisado[29], perdido na floresta de signos com sua lente de aumento para a leitura do exotismo tropical tupiniquim[30]. O que o “Proibidão da Coroa” faz é devolver, em um golpe seco e direto, a violência da exclusão construída secularmente neste país.

“Funk da Coroa”, de 2007. Trabalho em que Ronald Duarte cobre as janelas da residência do Imperador com imagens da favela da Coroa, colocando, também, uma música para compor o ambiente. (Foto: Ana Miranda)

Vivemos na era dos rizomas[31], das redes, do fim das noções de fronteiras culturais e da crise da idéia de centro e periferia, mas, por outro lado, somos obrigados a conviver, ao mesmo tempo, com a estratificação da produção e a posse da mercadoria nos moldes impostos pelo império[32]; obrigados a conviver com a manutenção dos monopólios, com os latifúndios monoculturistas, os lobbies dos bancos e montadoras de veículos que estão, como nunca, mantendo de forma cada vez mais explícita seus privilégios diante da chamada crise financeira, usando, para isso, o dinheiro do Estado[33].
Bolsões de miséria se multiplicam e, ainda, justificado por discursos onde se usa esta mesma miséria para a manutenção dos mesmos poderes que se querem perpetuados, seja pelo paternalismo estatal, seja pela possibilidade de se tornar um consumidor de eletrônicos “made in China” do mercado globalizado.
Nossa única resposta vem da reação do corpo. E um corpo violentado só pode responder com violência e urgência. Matando por um par de tênis. Insistentemente pedindo qualquer coisa nas ruas. Entupindo os bons modos burgueses. Metendo medo na classe media. O canibal tem fome. Come o S de Deus, mata o homem, destrói a natureza na linguagem[34].

Coeficiente de arte e negociação
Quando Duchamp fala do “coeficiente de arte”[35] para medir se uma arte tem qualidades que lhe valham permanecer ou não na história, por que é que devemos crer que uma arte de coeficiente mais “alto” que outra deva ser mais importante que esta? Lembremos: o fator qualidade também é um critério de exclusão[36].

“Estratégias Para Responder à Situações Urbanas Complexas”, realizado no centro da cidade do Rio de Janeiro, em 2005, por Giordani Maia.
Foto: acervo do artista

Giordani Maia, com trabalhos que envolvem jogos e trocas com o público é um dos que apostam no abaixamento desse coeficiente. Assim, pode estar mais próximo aos comuns dos mortais, falando de igual para igual e, ao mesmo tempo, negociando relações de identidade e circuitos, onde o que é colocado em relevo sempre passa pela ordem do distanciamento crítico. Para Giordani, a definição, a priori, entre o que sou eu e o que é o outro, ou melhor, o que é do outro, é sempre uma relação construída culturalmente e é preciso compreender de onde vem a fala que nomeia o que é o que nesse tipo de relação[37]. Um de seus trabalhos transforma as esculturas do escultor modernista e formalista Franz Weismann em cartões postais da cidade do Rio de Janeiro. Com pessoas que o artista aborda na rua e depois lhes manda a foto tirada diante da escultura, com perguntas do tipo “o que é arte para você”, recria aquela situação de uma arte realizada para ser vista no “cubo branco”, mas que se torna “pública” porque “instalada” nas ruas da cidade.

Tirar da arte, a arte
Tirar a arte da arte para torná-la domínio do comum, abrindo-a para linhas de fuga onde o corpo da ação funde-se com o corpo do texto, não rouba a mágica do entretenimento e nem a razão da representação. Em última instância, tudo é e representa, ao mesmo tempo. Se inventamos o fim do trágico como tragédia, humanizando não o mito, mas enfocando as paixões humanas, o drama, é porque assumimos o exótico, o folclórico e o alegórico, uma vez que é sempre melhor representar – mesmo que seja mostrando aquilo que esperam de nós – do que não ter corpo para ser representado. É preciso o corpo morto para se fazer necropsias, nem que for o nosso próprio, o do homem cordial[38]. A farsa é sincera, nesses casos. E o comum se torna diferente, voltado para a leitura que desmancha a lógica[39], adicionando significados que estavam fora da percepção.
Os palíndromos de Luís Andrade são exemplos dessa ambigüidade assumida como ferramenta criativa. Levam ao limite do anagrama o sentido do destino, fazendo do nome de sua própria filha um jogo com a linguagem, relacionando arte e vida de maneira mais do que reflexiva, intransitiva, em direção À[40]. Sim, há! À tornado letra que se contraí e se desdobra nela mesmo. Sim, há! E há de haver porque a máquina de produzir sentido passa por marcas, sinalizações, indicações, avisos e apelos comerciais já com o olhar subvertido, de olho nas armadilhas que o próprio texto e o contexto tinham assumido como destino. Como grafou o próprio artista – em consonância ao título deste presente texto – junto à obra que o artista Jarbas Lopes realizou no Arizona Art Museum, em 2007: “O ASMODEU É DEUS, UÉ? DEU É DOM SÃO”.

AVA, de Luis Andrade & Nicole Ann Ryan, 2008

O outro como o mesmo. Você é exótico, você é daqui. O plágio como brincadeira, como jogo. O rotulado não entendido. Tirar da arte, a arte e suspender o cotidiano dentro do cotidiano. Criar o jogo. Inventar o eu no meio de Deus. Nós no meio de Deus. Cotidianamente. Ser, com a criação, um. Fundar o NÓS[41] como um presente que Deus me deu. O anjo caido da palavra. Deu, é amor[42]. Amor é humor[43].

Bibliografia:
ANDRADE Oswald Do Pau-Brasil à Antropofagia e às Utopias. Vol. 06 das Obras Completas. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1974;
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BHABHA, Homi. “Locais da cultura”. In: O Local da Cultura. Belo Horizonte: Ed. UFMG, 2002;
BORGES, J. L. História da Eternidade. São Paulo, Globo, 2001;
BOURRIAUD, Nicolas Estética Relacional. Buenos Aires, ARG: Editora Adriana Hidalgo, 2006;
CAGE, John. De Segunda a Um ano. Trad. de Rogério Duprat, revista por Augusto de
CERTEAU, Michel. “De las prácticas cotidianas de oposición”. In. MODOS DE HACER: arte crítico, esfera pública y acción directa. Salamanca: Ediciones Universidad de Salamanca, 2001;
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KWON, Miwon Um lugar após o outro: anotações sobre Site Specificity. Trad. Jorge Menna Barreto. Revista October 80. Primavera, 2007;
LEMINSKI, Paulo e BONVICINO, Régis. Envie Meu Dicionário: Cartas e Alguma Crítica. São Paulo: Editora 34. 1999;
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LÉVI-STRAUSS, Claude. O Pensamento Selvagem. RJ: Zahar Ed., 1983;
NEGRI, Antonio e HARDT, Michael. Império. Rio de Janeiro: Ed. Record, 2001;
OITICICA, Hélio Aspiro ao Grande Labirinto. Org. Luciano Figueiredo. Rio de Janeiro: Rocco, 1986;
PERNIOLA, Mario Los Situacionistas: história crítica de la última vanguardia del siglo XX. Madrid: Ediciones Acuarela Libros/ A Machado Libros, 2007;
WATTS, Alan W. O Espírito do Zen. São Paulo: Editora Cultrix, 1999.
Periódicos:
Revista Concinnitas, N. 09, UERJ, Rio de Janeiro, julho de 2007
________________ N. 12, UERJ, RJ, julho de 2008
________________ N.13, UERJ, RJ, dezembro 2008
Dissertações:
MESQUITA, André Insurgências poéticas: arte ativista e ação coletiva (1990-2000). Dissertação de Mestrado. Universidade de São Paulo. Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas. Programa de Pós-Graduação em História. São Paulo, 2008.
Artigos:
MAIA, Giordani. Identidade, Circuito e Distância Crítica (inédito) 2007.
Discografia:
Barão Vermelho Maior Abandonado. Rio de Janeiro: Gravadora Som Livre, 1984.
Tom Zé Com defeito de fabricação. Rio de Janeiro. Trama, 1998
Citações na Internet (por ordem de entrada no texto):
Koan: http://pt.wikipedia.org/wiki/Koan
Dubuffet: http://www.galeriavirgilio.com.br/exposicoes/0503.html
Duchamp: http://n0panic.blogspot.com/2004/11/f1-16-o-acto-criativo-marcel-duchamp.html
Basbaum: http://www.nbp.pro.br/
CC – Creative Commons:
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[1] Tal qual o paradoxo da linguagem no Koan que, para o Zen Budismo é: …é uma narrativa, diálogo, questão ou afirmação que contém aspectos que são inacessíves à razão. (Consultado em http://pt.wikipedia.org/wiki/Koan – 05/02/200 – 15h) Dois autores que ajudaram a difundir a doutrina Zen no Ocidente foram Alan Watts (1999) e John Cage (1985): “Antes de se iniciar no Budismo, o discípulo vê o céu e a montanha como céu e montanha. Quando inicia a prática budista, nem o céu nem a montanha são mais as mesmos. E, finalmente, o céu volta a ser céu e a montanha, montanha, depois de se ter tornado um budista”.
[2] Seria uma espécie de anjo caído dos céus (Ezequiel, cap. 28), tornando humana as paixões divinas.
[3] Deleuze: pensamento como matéria; Beuys: “pensar é esculpir”; Fótons que se movem enquanto pensamos. E, John Cage, em sua famosa “Conferência Sobre o Nada”, de 1949:
“…Eu não tenho nada a dizer/ e estou dizendo/ e isto é poesia como eu quero”. Tradução de Augusto de Campos, in O Anticrítico. SP, Companhia das Letras, 1986)
[4] Cazuza já cantava, em1984: “Todos choram/ Mas só há alegria/ Me perguntam/ O que é que eu faço?/ E eu respondo:/ ‘Milagres, milagres’”.
[5] Como coloca Mario Perniola, à respeito do Situacionismo: “El concepto de vida cotidiana nace del contexto sociológico como contrapuesto a la actividad especializada, como aquello que queda cuando se prescinde desta última” (Perniola, 2007: 58).
Um exemplo prático ocorreu no ano de 1992, quando realizei um trabalho com funcionários de uma empresa, em São Paulo – BANESER – cujo título “O cotidiano como obra de arte”, remetia às possibilidades de alterar a relação com o ambiente de trabalho através da percepção do contexto onde estes funcionários estavam inseridos. Partindo de uma idéia comum com os participantes do workshop, colocamos caixas para cada andar do prédio, que funcionavam como “filtros da realidade”, ou como “amplificadores de situações dadas”.
[6] Particularmente depois dos anos 60, quando a idéia de fluxo e processos (work in progress) incorporam-se à idéia de “obra”. Podemos citar como exemplo as heranças advindas das ações do grupo Fluxus e dos Situacionistas. E, também, a partir das experiências de artistas visuais com o meio cinema e vídeo, vinda de técnicas de montagem e colagem dos anos 20.
[7] Negando a sucessividade analítica, declara o escritor argentino JorgeLuis Borges no prólogo de seu livro “Histórias da eternidade” que: “Hume negou a existência de um espaço absoluto, em que cada coisa tem seu lugar; eu, a de um único tempo, em que todos os fatos se encadeiam. Negar a coexistência não é menos árduo que negar a sucessão.” (BORGES, 1999: 155)
[8] Comentando sobre significado e significante em Saussure, Hakin Bey escreve no pequeno livro TAZ (Zonas Autônomas Temporárias) que, no “Caos Linguístico”, “a linguagem pode criar liberdade a partir da confusão e da decadência da tirania semântica” (2001: 77).
[9] Revista Concinnitas, nº 10, UERJ, Rio de Janeiro, julho de 2007.
[10] No evento “Arte em Circulação”, em Curitiba, Paraná, realizado entre maio e junho de 2008, na Caixa Cultural, Alexandre Vogler assim comenta sobre seu próprio trabalho: “Inserir um dado virótico nos meios de comunicação e detonar algumas associações que agem criticamente com a própria paisagem e com a forma com que essa paisagem é cooptada pelo mercado e pelo poder público também”. (Ver o catálogo do evento)
[11] LEMINSKI, 1999: 48.
[12] PERNIOLA, opus cit.: o próprio subtítulo do livro já trata de forma direta sobre tal tema: Historia Crítica de la Última Vanguardia del Siglo XX.
[13] Sobre a distinção entre estratégia e tática em Michel de Certau (1996), o sítio da wikipédia, na Internet, traz a seguinte informação: “O tático se manifesta não em seus produtos, mas na sua metodologia. Ele pode ser executado por um indivíduo ou um grupo temporário que não dura o suficiente para precisar de um nome”.
http://pt.wikipedia.org/wiki/A_Inven%C3%A7%C3%A3o_do_Cotidiano. Ver, também, o texto “De las Prácticas Cotidianas de Oposición” (2001: 398, pp 02).
[14] Mesmo que seja para defender a superfície, a não-representação, a coisa em si. Tudo isso é parte de discursos.
[15] “Um poema épico, ou Epopéia é um poema heróico narrativo extenso, uma coleção de feitos, de fatos históricos, de um ou de vários indivíduos, reais, lendários ou mitológicos”. Consultado em: http://pt.wikipedia.org/wiki/Poesia_%C3%A9pica (15/01/2009)
[16] “A verdadeira arte está sempre onde não a esperamos”, segundo disse Jean Dubuffet, nos anos de 1950. http://www.galeriavirgilio.com.br/exposicoes/0503.html
[17] MACIUNAS, George: Neodadá em música, teatro e belas-artes (1962), in Escritos de Artistas. Anos 60/70 (2006: 81); “a anti-arte é a vida, a natureza, a realidade verdadeira – ela é um e tudo. A chuva que cai é anti-arte, o rumor da multidão é anti-arte, um espirro é anti-arte, um vôo de borboleta, os movimentos dos micróbios são anti-arte”.
[18] Expressão retirada do poeta modernista Oswald de Andrade: a alegria é a prova dos nove.
[19] LEMINSKI (1997: 78): “A rebeldia é um bem absoluto. Sua manifestação na linguagem chamamos poesia, inestimável inutensílio”.
[20] Claire Bishop, no artigo “A virada social: colaboração e seus desgostos” (2008), aponta para as possibilidades, ou não, da coadunação entre o “estético” e “ativista”. Comentando o trabalho de alguns artistas como Phil Collins, Aleksandra Mir e Francis Alÿs, coloca que: “em vez de se posicionarem em linhagem ativista, na qual a arte é guiada para efetuar transformações sociais, esses artistas têm estreita relação com o teatro de vanguarda, performance, e teoria arquitetônica”.
[21] Discorrendo sobre “apropriações ambientais” a partir de uma idéia de obra-obra, Hélio Oiticica diz que: “…, e já que não posso transportá-las, aproprio-me delas ao menos durante algumas horas para que me pertençam e dêem aos presentes a desejada manifestação ambiental” (OITICICA, 1986: 80).
[22] “Denken ist Plastik!” (pensar é esculpir), dizia o artista alemãoJoseph Beuys (Alemanha, 1921-1986).
[23] “… a forma toma consistência e adquire uma existência real só quando põe em jogo as interações humanas; a forma de uma obra de arte nasce de uma negociação com o inteligível”. Bourriaud, in Estética Relacional (2006: 22 e 23)
[24] Ver exemplos como “a estética da pobreza”, em Brecht ou, para citar um exemplo mais próximo, “Com defeito de fabricação”, disco de Tom Zé, de 1998.
[25] Ações de Mídia Tática, como as promovidas pelo coletivo encabeçado pelo artista dos E.U.A., Igor Vamos, “Barbie Liberation Organization”, de 1993, assim como da dupla de ativistas do Yes Men, que se infiltram no contexto das mídias de massas ridicularizando grandes corporações, dão bem idéia dessa situação. (MESQUITA: 2008)
[26] Ver Manifesto Antropófago, de 1928, de Oswald de Andrade, que assim começa: “Só a antropofagia nos une”.
[27] LEVY-STRAUSS: 1983
[28] Pensando no conhecimento do selvagem enquanto ser nomeado pelo homem civilizado, BEY (opus cit.) é contundente: “É claro que os nativos possuem um certo conhecimento oculto. Mas em resposta a esta percepção imperial de sua cultura como uma espécie de ‘espiritismo selvagem’, os nativos começam a se enxergar neste papel de forma cada vez mais consciente”.
[29] Em BHABHA: 2002, p 24: “Os próprios conceitos de culturas nacionais homogêneas, a transmissão consensual ou contígua de tradições históricas, ou comunidades étnicas ‘orgânicas’ – enquanto base do comparativismo cultural – estão em profundo processo de definição”.
[30] Montados nos bancos de trás do jeeps que os levam para “conhecer” as favelas, gringos ganham uma opção a mais de turismo e adventures na Cidade Maravilhosa.
[31] Segundo o sítio wikipédia, na internet (opus cit.) o rizoma, na filosofia, é um conceito emprestado da botânica, assim: “… a estrutura do conhecimento não deriva, por meios lógicos, de um conjunto de princípios primeiros, mas sim elabora-se simultaneamente a partir de todos os pontos sob a influência de diferentes observações e conceitualizações”. http://pt.wikipedia.org/wiki/Rizoma_(filosofia) – Consultado em 15/01/2009.
[32] NEGRI, 2001
[33] A referência está ligada ao que vem sendo chamado de “crise internacional do sistema financeiro” que explodiu depois do segundo semestre de 2008.
[34] “É nesta zona de tensão que novos problemas são colocados, e no que tange à identidade, esta implica em uma rearticulação de territórios e fronteiras econômicas e políticas”. MAIA, 2008
[35] DUCHAMP, Marcel, O Acto Criativo – (1957), trad. Rui Cascais Parada. Portugal: Água Forte, 1997.Consultado em http://n0panic.blogspot.com/2004/11/f1-16-o-acto-criativo-marcel-duchamp.html – às 10/01/2009 – 18hs
[36] No ensaio intitulado Gilles Deleuze: Platão, os gregos, assim coloca PELBART (1997): “O platonismo aparece como doutrina seletiva, seleção dos pretendentes, dos rivais. (…) A Idéia é posta por Platão como o que possui uma qualidade primeiro (necessária e universalmente); ela deverá permitir, graça à provas, a determinar o que possui uma qualidade em segundo, terceiro, segundo a natureza da participação. Tal é a doutrina do julgamento”.
[37] No artigo inédito Identidade, Circuito e Distância Crítica, Giordani (opus cit.) desenvolve um raciocínio crítico que vai de encontro à idéia de um outro cultural, baseado nos textos do crítico Hal Foster e levando em consideração a relação entre arte e negociação.
[38] O presente ensaio, particularmente nestas alturas do texto, toma como matéria de debate, ou melhor, de embate, o capítulo “O político e o psicológico: estágios da cultura”, do livro de Roberto Corrêa dos Santos, Modos de fazer/ Modos de adoecer, que traz a idéia de identidade nacional através da antropofagia de Oswald de Andrade, alinhavando a questão do trágico, a partir de Nietzche, em oposição a Eurípedes, que é acusado de “aproximar público e cena”.
[39] “Passar do outro lado do espelho é passar da relação de designação à relação de expressão – sem se deter nos intermediários, manifestação, significação. É chegar a uma dimensão em que a linguagem não tem mais relação com designados, mas somente com expressos, isto é, com o sentido”.( DELEUZE, 1998: 27)
[40] Ver, de Ana Paula de Miranda, “Poesia com dromos: ‘À’ de Luis Andrade: O encontro-reflexo dos dois lados do espelho” (Revista Concinnitas, ano 9, volume 2, número 13, dezembro 2008).
[41] Sigla que representa Nova Ordem Sensorial, assim como NBP, de Ricardo Basbaum, quer dizer Novas Bases da Personalidade (ver em http://www.nbp.pro.br/)
[42] Citando um ativista do Movimento Neoista – um dos muitos movimentos históricos de subversão e utopia analisados no livro “Assalto à Cultura” – Stewart Home (1999: 173) assim coloca: “… Se Deus está em toda parte, todos são Deus; e porque Deus não peca, o pecado não existe. O inferno é simplesmente deixar de fazer as coisas que desejamos – enquanto a blasfêmia, bebidas e fornicação são atos sagrados”.
[43] Amor/humor é um poema pré concreto de Oswald de Andrade, de 1927 (in: poesias reunidas, 1971). E, a IGREJA DA SALVAÇÃO PELA GRAÇA, DEUS É UMOR! do multi artista curitibano Hélio Leites, desde, pelo menos, 1991

O sonho (não) acabou

2008-09-28T09:17:00.000-07:00

http://www.lacaravana.org/

“Você pode dizer que sou um sonhador/ mas não sou o único não/ e espero que um dia você se junte a nós/ e o mundo será uma coisa só”.
John Lennon

The dream is over
Horrorizado diante dos crimes cometidos pelos nazistas, o filósofo Theodor Adorno sentenciou que não podia mais haver poesia depois de Auschwitz. Mas um outro filósofo rebateu que, depois de Auschwitz, a vida somente era possível através da poesia. Do mesmo modo, a célebre frase de John Lennon, dizendo que “o sonho acabou”, após a dissolução dos Beatles, foi interpretada pelo poeta Gary Snyder como possibilidade de evoluir para além do sonho, naquilo que os movimentos dos anos sessenta/setenta propunham.

De fato, um clima de “baixo astral” dava razão aos mais céticos e cínicos, o sonho havia acabado. E acabado mal. Para isso contribuíram as mortes de Janis Joplin e Jimmy Hendrix, dois ícones da geração “paz & amor”. Crimes sexuais foram apontados como praticados por ativistas de esquerda. Um jovem negro foi assassinado em pleno show dos Rolling Stones. E a ditadura de mercado cantou vitória sobre a utopia daqueles jovens sonhadores.
Muitos voltaram para casa. Tornaram-se yuppies. Renegaram o sonho. “Coisa da juventude”, vovó tentou contemporizar. “Agora ele arruma um emprego”, disse o velho.

Homem do mundo
Nem todos abandonaram a utopia. Poucos resistiram. E partiram para a ação. Semana passada e retrasada (este texto foi escrito em 2006) passou por Londrina a “Caravana do arco-íris”. Motivo de curiosidades, seus membros deram entrevistas, realizaram palestras, cursos, participaram de eventos de outros grupos e deixaram a cidade. Um total de 20 nômades, em quatro caminhões, falando de tribalismo, ecovilas, experiências xamânicas, alimentação natural, antropologia andina, permacultura, cura holística, histórias ancestrais, etc. Assuntos que fazem rir quem parou de sonhar. Chacota de medíocres medianos midiatizados pela globo e pela veja.

Mais vivo do que nunca, um dos “filhos da bomba atômica”, o “homem do mundo”, Alberto Ruiz Buenfil, que é o organizador da Caravana, no alto de seus 61 anos, esforça-se para passar 40 anos da experiência que tem sobre lutas estudantes, organização de coletivos, anarquismo e arte, em pouco mais de 5 horas que ficamos juntos.

Começo a conversa desconfiado de papo místico. Meu interesse é artístico. Ele me diz que não praticam misticismo, mas espiritualidade. Vou direto ao ponto. Quero saber sobre arte e política e o que é desenvolvido pela Caravana, neste sentido. Dou mais uma dica para sugestão da conversa. Falo no Situacionismo dos anos 60. E então um portal se abre nos olhos do “guerreiro do arco-íris”. Ele não só sabe do que estou falando, mas diz que pertenceu à Segunda Internacional Situacionista, em 1971, fundada por Asger Jorn (1914-1973) e seu irmão Jorgen Nash. E que foi dali em diante que ele iniciou a prática do nomadismo, nutrido pela idéia de criar uma cultura que fosse tribal e global, ao mesmo tempo. Mais, de uma cultura que fosse do corpo e do espírito. Um corpo que faz de sua casa o mundo. E do mundo o lugar do seu corpo.

Uma história para contar
Nascido no México, teve que fugir de lá quando, lider estudantil, a barra pesou. E pesou pesado no México, talvez mais do que no Brasil, até. Foi para a Suécia atrás de perspectivas possí8veis para o tempo que vivia, voltou para o México, foi para Cuba, fundou comunidades e, desde 1996, está com a Caravana, atravessando desde o Alaska até a Terra do Fogo, na Argentina. Faz reuniões com comunidades indígenas, desenvolve eventos de cura e regeneração da terra e tudo aquilo que a contra-cultura e a geração hippie sonhou um dia.

Convida-me para entrar no ônibus/biblioteca e mostra seus vários livros. Alguns de sua autoria. Sobre anarquismo, situacionismo, xamanismo, flower power e, pô, esse cara é fóda, velho! Acabo ficando com um livro sobre a Caravana onde, no prefácio, é contada a história e o exemplo de seu pai, um antropólogo que descobriu templos aztecas que estavam soterrados, no México. Fala, também, do significado do arco-iris como elemento sagrado de várias culturas arquétipicas; traça a história do tribalismo desde 1930 e; fala de algumas profecias indígenas.

Também levo debaixo do braço um vídeo do encontro da Caravana do Arco-iris pela Paz, intitulado "O chamado do Condor", que me arrepia ao final, toda vez que assisto, porque, de fato, a ave sobrevoa a cabeça de todos, enquanto estão encerrando o encontro com pagés e xamãs, no vale em meio às montanhas irmãos de Machu Pichu.

Os demais membros da Caravana vão, cada um, cuidar de suas atividades, hóspedes na casa/centro cultural do Marcelinho, meu professor de capoeira de angola . Depois nos chamam. Dizem que estão atrasados e precisam partir. O sonho acabou. É preciso agir!

Cidade dormitório

2007-05-24T18:51:00.000-07:00

Visão parcial do trabalho de Guga Ferraz, em exposição nas paredes externas da Galeria Gentil Carioca, Rio de Janeiro.

Já conhecia algumas coisas que ele tinha feito, como o adesivo para grudar em placas de sinalização nas paradas de ônibus. Sobre o desenho do ônibus, nas placas, era adicionado um outro desenho, de fogo, deixando o ônibus em chamas. Isso bem na época em que começaram a incendiar os ônibus no Rio de Janeiro.
Outro, tão ácido quanto, só que mais irônico: o desenho do Bush impresso sobre panos de chão. Coisa bem popular. Para quem não gosta do presidente dos EUA – cerca de 80% da população do planeta – este é um adereço indispensável para se ter em casa!
Mais um, só para ilustrar o texto. Simulando o desenho de indicação da saída de emergência colado nos vidros de ônibus, ele fez outro em que, no lugar da mão que empurra o vidro, há uma mão segurando uma arma. E, depois, escrito em baixo: "em caso de assalto, não reaja!".
Sabia da sua ligação com o Zona Franca, uma ação coletiva de chamar artistas para mostrar trabalhos experimentais, na Fundição Progresso. E, também, que ele é um dos editores da revista de arte O Ralador. Além de participante da ação de colar cartazes lambe-lambe, do coletivo de arte Atrocidades Maravilhosas.
Por aí já dá para sentir seu engajamento artístico e sua postura de enfrentamento com a realidade. E, até uma das características de seu trabalho, a repetição serial. Seja como impressão, gravura, ou como células que se desenvolvem, se multiplicam. Por exemplo, uma de suas proposições, intitulada "Coluna", em que várias pessoas – uma sobre o ombro da outra – faziam as vezes de sustentação de edifício, pode ser considerado um desses casos.

Repetição. Uma das portas para entender seu trabalho. Pois é disso que o artista tirou partido para criar seu "Cidade Dormitório", na parede da Galeria Gentil Carioca, na região central do Rio de Janeiro. Lá, em plena integração com a arquitetura do local – exteriormente suja e abandonada – a Praça Tiradentes, hotéis de baixa reputação e o Centro Cultural Hélio Oiticica, Guga crivou um "beliche" de 08 (!) andares.
Oferecendo um equipamento urbano a quem quiser passar algum momento – ou fazer qualquer outro tipo de ocupação – descansando em um dos "cômodos" dessa estrutura de ferro, com grades de madeira e chumbada à parede. E com colchonetes em todos os andares. Algo que lembra o minimalismo – pela pureza e repetição formal – mas zomba da história da arte.

Tal instalação de rua leva a pensar, primeiramente, na questão do déficit habitacional que impera no país, em geral, e, no Rio de Janeiro, em particular. E poderíamos ser induzidos a crer que o trabalho é um protesto do artista contra o estado de indigência que grassa pelo centro da cidade. Pode ser. Qualquer mendigo que quiser se apossar de um dos "quartinhos" pode fazê-lo, pelos próximos quatro meses, que é o prazo para a obra permanecer no local. Pelo menos é essa a intenção: de uso, de ocupação.
Sugere, também, tratar-se de uma mimese de um conjunto habitacional popular qualquer, como esses "ninhos de pombos" que se constroem, cada vez mais, para pessoas que podem pagar cada vez menos. E, já que a questão é tratada pelo viés da arte, aquilo pode ser um prédio qualquer, ou, mesmo, um brinquedo lúdico. Ou mesmo como uma proposta de nomadismo como estilo de vida. Um dia dormir aqui, outro dia lá, e assim por diante.
(Passando por ali, uma noite, dois dias depois da inauguração da exposição, as crianças do bairro e a polícia que vigia o local queriam saber o que era aquilo. E acabaram achando divertida a idéia daquele objeto. Logo as crianças fizeram dali seu brinquedo. E os guardas foram embora.)

O fato é que não há nesse e nem nos outros trabalhos de Guga Ferraz algo tão filantrópico ou lúdico, propriamente, como há nos trabalhos do artista polonês Wodiczko, que faz equipamentos urbanos para indigentes. Ou, no trabalho de Vito Acconci, um artista dos Estados Unidos, que fez um equipamento urbano, dentro do evento Arte Cidade, em São Paulo, colocando sanitários, banheiros e oferecendo um local para os homeless descansarem. A crítica de Guga é mais ácida. É mais irônica. E a ambigüidade entre o funcional e o estético, equipamento urbano e sarcasmo, no mínimo faz qualquer pessoa pensar a respeito daquilo de forma desconfiada. Não perguntamos se o que vemos é arte. Perguntamos sobre aquilo que vemos.

Finalmente, há que se pensar nos riscos desse tipo de trabalho, de embate com a realidade, que não possui a possibilidade de recuo, uma vez colocado em circulação, nem de ser refeito, como uma pintura ou uma escultura. Menos, ainda, de ser escondido no porão de casa, caso não tenha ficado ao gosto do artista. Esse enfrentamento com o suporte “vida” é que o torna instigante, desafiador, pois, ao levar em consideração o contexto onde a obra é exposta, permite uma aproximação com as pessoas, dentro de questões que lhe são pertinentes, e não como arte cujos códigos nem sempre podem ser acessados por um público não especializado. Esse, de fato, o desígnio.

(mais imagens de Guga Ferraz em: http://www.agentilcarioca.com.br/indexpor.html)

(+ textos em http://www.canalcontemporaneo.art.br/arteemcirculacao/)

Paisagem inútil

2007-05-24T18:46:00.000-07:00

"Campo de trigos com corvos" (1890), de van Gogh: paisagem desesperada em sua última pintura

"História: Aqui está um homem / Aqui está um cadáver / Aqui está uma estátua."
Joan Brossa

Depois de passadas tantas crises. Depois de tanto tempo esperando. Depois de ter conseguido domar a fera da revolta e da indignação que habitava seu peito, descobriu que não tinha mais nada a oferecer, então. Sua terra estava devastada. Aliás, perdera o direito a ela. Tinha sido expulso do Paraíso. Perdera sua Bela Vista. Agora só restava a paisagem desértica.

Mas o deserto não se resumia a um só lugar. Mas às idéias. E aos seus ideais, pelos quais um dia lutou. Apesar de tudo não podia desistir da vida, como fizera van Gogh depois de pintar "Campo de trigo com corvos", mas a imagem era similar. Não porque tinha vontade de continuar resistindo, mas porque lembrou-se de seu pai que dizia que "o problema é aonde cair vivo, não aonde cair morto". Riu, incomodado com o pensamento. Mas tinha medo da morte, também. Em caso de suicídio, sempre pensava, levaria mais uns vinte para o inferno, juntos com ele. E escolhidos a dedo. Na paisagem em que deveria colocar sua assinatura, havia ratos e não corvos. "Ratos não se transformam em humanos, mas, cada vez mais, humanos se transformam em ratos", tentou filosofar.

Em seu delírio, ainda balbuciou algo assim compreendido: "dominado pelas leis de mercado. Encurralado pelo discurso do progresso. Preso à histeria do consumo. Hipnotizado pela idéia fixa de que o trabalho é sagrado. De que a produtividade é redentora. E de que a tecnologia irá nos libertar para a exploração de outros Novos Mundos, a única coisa que o dito 'cidadão civilizado' quer, de fato, é vender ratoeiras e queijos". E mais: "esses ratos que não são ratos não se contentam apenas em vender. Querem controlar. Controlar para lucrar. Eis aí a utilidade do poder! Eis aí a consciência suprema que pode um rato-não-rato atingir!"
Era improvável, de qualquer modo, a busca por alguma inspiração mais altruísta. Já não podia e nem queria pintar outra coisa senão aquela cena catastrófica. Sentia-se como o andarilho que caminha sozinho, errante pelo mundo, despertando desconfiança por onde quer que passe. Um homem que questiona muito pode revelar algum aspecto podre, que ele traz dentro de si, nos outros. E isso pode gerar uma entropia perturbadora. O caos passa a ser ele, ao invés da situação.

Desistir não podia.

Talvez a tarde trouxesse alguma brisa, para aliviar o calor. Talvez tivesse forças para inventar uma paisagem encomendada para uma ocasião menos grave, embora o pêlo de seus pincéis, ressequidos pela tinta de tonalidades cinzas, denunciassem um abandono definitivo da idéia de pintar. E o que restava era apenas um quadro onde ratos pareciam se sentir à vontade com aquela paisagem inútil.

Manisfesto do DIA DO NADA 2007

2007-05-24T18:41:00.000-07:00

Passando o recado

Lançamento da proposta para o DIA DO NADA 2007

Não custa lembrar:
O DDN cai sempre na primeira segunda de maio. Este ano, portanto, cai no Dia 07 de maio. Segunda-feira.

Definição simplista:
DDN não é contra o trabalho. É contra o trabalho desprazeroso, mecânico, robotizado, escravo.
Questiona a mais-valia e o lucro, sob todos os ângulos e hipóteses.
Descrê do progresso industrial e do uso da tecnologia eletrônica como evolução da espécie.
Ri do processo civilizatório.

DDN não é para NÃO fazer nada. O desafio, aliás, e este. A idéia é: fazer nada.
Tudo é trabalho. Tudo dá trabalho. Trabalho, em física, é a energia gasta por um corpo para se movimentar entre dois pontos. Portanto, enquanto o coração bater, existe o trabalho. E a idéia do Nada e do Vazio colocada em movimento como uma ação não cartesiana, melhor, como poética, é a questão.

Constatação
Por causa do Efeito Estufa, gerado pela emissão descontrolada de gases poluentes na atmosfera, principalmente CO2, a temperatura do Planeta está se elevando. O clima está se alterando, as estações do ano perderam suas definições. As águas de março ainda não chegaram e, mesmo em maio, o verão ainda não foi fechado.

O paradoxo quente
Voltemos à Física: se as partículas ficam em movimento constante, em atrito permanente, a velocidades cada vez maiores, então os corpos tendem à combustão, gerando cada vez mais calor. Esquentando mais, faz-se necessário, na nossa sociedade de mercado, um maior uso de refrigerador, ventilador, ar-condicionado, enfim, não queremos abrir mão do conforto industrial que deus nos deu, certo? Acontece que isso acaba gerando um maior gasto de energia, aumentando, assim, o calor. E Eis, assim, montado o paradoxo que nos coloca, a todos, dentro de um circuito vicioso cujo fim não precisamos de nenhuma lâmpada mágica para adivinhar seu desfecho.

Visão crítica
Para Al Gore e para os mercadores da vida o desastre ambiental representa Eco_dólares. E se aproveitam do calor que está fazendo para ganhar mais dinheiro vendendo ventiladores. Ou fazendo projetos mirabolantes como a construção de guarda-sóis no espaço, sucção do CO2 da atmosfera usando como depósito as reservas exauridas de petróleo, etc. Fazem acreditar que a tecnologia de ponta pode resolver o problema do desastre ambiental e que podem resolver o problema mundial por cada um de nós. No máximo, propõem a troca do uso de produtos mais poluentes, por outros, novos, modernos e “ecológicos”. Como se o material usado na fabricação desses produtos e o lixo dos outros, descartados, não interferisse, ainda mais, no problema ambiental.

O que é preciso pensar, em primeiro lugar, é que nossa cultura foi toda construída sobre os alicerces do domínio à natureza. E nunca de integração. O homem civilizado, ocidental, greco-judáico-cristão, sempre viu a si próprio como alguém na paisagem, mas nunca como alguém da paisagem. A natureza sempre lhe foi o fora. E o dentro sempre foi aquilo que ele construiu para vencer a natureza, chegando ao ponto que estamos vivendo agora, que é a de perder todo o contato e relação com ela e recebendo de troco um delicioso “tchau, humanidade, vocês são uns chatos”.

Proposta do DDN
Desmontar o discurso catastrofista dos apocalípticos que lucram com a miséria humana (neopentecostais, niilistas de plantão, comunistas endinheirados) e dos conformistas que acham que “isso não vai mudar nunca”, é uma maneira de tornar o problema menos insolúvel. Deter imediatamente a voracidade consumista, então, já é caminhar, a passos largos, em direção a um outro tipo de relação do homem com a natureza. Isto é, de integração e harmonia.
Mas não basta apenas desligar o ventilador durante quinze minutos e ficar de braços cruzados, com tédio e raiva, passando calor. É preciso que o espaço e o tempo sejam utilizados de maneira criativa e lúdica como resposta vital a esse modo de viver que nos quer reféns do impulso de morte. É possível utilizar as energias emanadas pela própria natureza, a nosso favor, sem ter de gastar um centavo por isso. Ao contrário, para nos humanizar através delas.
E o que nos torna mais profundamente humanos é a nossa capacidade de compreender a realidade e rir, quando, ao invés de nos lamentar pela situação ou de nos perder em abstrações intelectualizadas, agimos.

Questão concreta
Para o DDN, tanto quanto para a filosofia oriental e para a cultura indígena, agir é não-agir. É deixar acontecer. Como na Capoeira de Angola. Como no Judô. Usar a força, o impulso e o movimento do oponente, contra ele próprio. A nosso favor.
Eis o devir do vento, portanto, dando movimento a essas palavras. Não só a hélice do ventilador, no caso acima descrito, para combater o calor. Mas a vela do barco. Aqui, brincando com as folhas soltas das palavras da árvore-idéia, como uma aposta no lúdico.

Recado dado
Semana passada, na casa do Jarbas Lopes – que tem uma chácara em Maricá, cujo limite de sua propriedade é uma falésia, um corte abrupto na faixa de terra, que dá diretamente em uma lagoa formada por uma cadeia de montanhas, perto de Niterói – veio a solução do paradoxo do ventilador, que me assaltava desde que comecei a pensar em um tema para o DDN deste ano. Ou seja, o que propor para alguém fazer no lugar do ficar embaixo do ventilador desligado?
Foram as próprias crianças, sobrinhas e filhos do Jarbas, quem resolveram o problema. Não que elas soubessem de toda essa elaboração mental. Não é isso. O que aconteceu foi que havia várias redes de dormir – com mosquiteiro e tudo – lá e as crianças pediram ao Jarbas para dormir fora de casa, nas redes, dependuradas na árvore que fica perto da falésia. E foi uma festa. Amarramos umas seis redes na árvore e passamos a noite lá, entre a brisa que suavizava o calor que fazia e a paisagem imponente, ao longe. Sons, só de coruja, de vez em quando, e causos, que foram contados até as crianças pegarem no sono.
Como um recado dado, o DDN me apareceu com essa idéia pronta. E eu só tive o trabalho de contar o que aconteceu, embalado pelo vento.

+ Dia Do Nada em http://nothingday.blogspot.com

Tempo quente

2007-05-24T18:32:00.000-07:00

Plantação de árvores, de "7000 oaks", de Joseph Beuys: projeto iniciado em 1982 e completado postumamente, em 1987.

Um paradoxo
Enquanto aguardava a fila do caixa do supermercado, uma senhora, se abanando com uma folha de papelão, olhou-me desconsolada e disse que o calor estava demais. Vi todo o aparato funcionando à nossa volta – iluminação, ar condicionado, ventiladores, motores elétricos – e fiquei pensando que aquilo gastava grande quantidade de energia, fazendo aquecer ainda mais o planeta e obrigando, por sua vez, o aumento do consumo de energia para o funcionamento de ar-condicionados, refrigeradores e ventiladores...

Deter o consumo, não a redução de danos
Os fabricantes têm se esmerando em produzir novos modelos de aparelhos eletrônicos que gastem menos energia, ou de carros e meios de transporte que gastem menos combustíveis. Mas como estamos nas mãos do mercado e da mídia que depende das aplicações financeiras para se manterem, ninguém faz nada para conter o consumo de produtos. Como alternativa inventam o eco-dólar para continuarem ganhando sobre a destruição que eles mesmos produziram. Investem na redução de danos, criando marketing ecológico e vendendo novos modelos de marcas embalados em roupagens politicamente correta. Dizem que o guru da Nova Era é o ex vice-presidente dos E.U.A. que quer salvar o mundo do Efeito Estufa – nosso mais recente vilão. E que vai fazer shows com artistas de vários países, pela salvação do planeta: "Você investe em nosso banco e quem ganha é a natureza!". Melhor fazer poesia: "silêncio/ economia de palavras/ também é ecologia"

Arte: decorativa ou combativa?
A arte é sempre vista como a cereja que decora o sorvete que os outros tomam. Pelo menos assim é que a maioria das pessoas pensam ou a vêem. Como algo decorativo, fantasioso. Alegórico, mais precisamente. Ou seja, ela é admirada até o ponto em que não toca as questões que a vida propõe. E, ao permitir que ela seja rotulada como inocente diante da radical transformação que a sociedade está passando e continuará a passar ainda, por certo período histórico, deixamos cristalizar essa impressão de impotência, como se isso ajudasse a salvar nossa própria pele. E não é questão de denúncia ou citação, que é o que de mais alegórico pode haver, mas de interferir na própria carne da vida, muitas vezes sendo obrigado a tomar medidas drásticas para continuarmos vivos.

Se, por um lado, a luta de massas parece não conter mais aquele grau de viabilidade que um dia parecia conter, por outro lado, uma política que leve em consideração a "microfísica do poder", para poder se expandir, deve ter em mente uma mínima organização entre suas partes. Ainda que seja entre duas pessoas. E os artistas – e a arte, em geral – são os mais aptos a enfrentarem essa situação, uma vez que o anarquismo de suas proposições os levam a desenvolver o sentimento e a subjetividade como suas mais potentes armas.

Entre o posicionamento político, a reflexão filosófica e a ação prática artística, o planeta derrete de quente e aumenta a energia gasta para suportar o calor, cada vez maior. Uma vez que o uso das tecnologias não garante a sobrevivência do ser humano no planeta, o ideal seria repensar nossas necessidades diante do caos que insiste em nos apavorar. Ou alguém acredita que as enormes despesas gastas com o estudo genético, a criação de célula-tronco para reproduzir neurônios, ou o último modelo de celular - feito de algum material ecologicamente correto – servirá para acabar com a fome e a miséria da população inteira do planeta? Quando se fala em inclusão digital, será que conseguiremos construir 2 ou 3 bilhões de computadores para distribuir pelo mundo? Será que temos tantas reservas de matéria-prima assim, ainda, nos chamados países emergentes? E quem é que vai ganhar com isso?

Alguns artistas investem no efeito que o uso de novos programas em computador são capazes de oferecer, simplesmente pelo direito que têm em experimentar as novas ferramentas disponíveis no mercado. Ninguém tem o direito de condenar esse uso. Mas se sua arte não é capaz de ir além do mero jogo de formas e efeitos pirotécnicos. Se ela não é embasada por uma idéia capaz de provocar o espectador para além da sedução e da hipnose que o uso da máquina pode proporcionar, então sua arte está condenada ao mesmo paradoxo do ar-condicionado que aquela senhora que reclamava do calor, me fez pensar.

+ textos em http://www.canalcontemporaneo.art.br/arteemcirculacao/

Bienal vale pelas mostras individuais

2006-12-17T14:32:00.000-08:00

Rubens Pileggi Sá

Históricos contemporâneos

Se, em seu conjunto, a 27ª Bienal de Arte de São Paulo possui lacunas que tornam o tema da mostra apenas um compartimento para separar arquivos que – aparentemente – dizem respeito ao "como viver junto" proposto, por outro lado, a própria impossibilidade dessa catalogação é o que torna interessante a visitação deste ano. As particularidades são maiores do que a soma o conjunto exposto, como um todo.
Só para ficar no terceiro andar do Pavilhão projetado pelo arquiteto Oscar Niemeyer para abrigar as Bienais, no Parque Ibirapuera, temos três artistas contemporâneos que já são parte da história da arte. São eles: Marcel Broodthaers (1924-1926), Gordon Matta-Clark (1943-1978) e Ana Mendieta (1948-1985).
Broodthaers é considerado um artista "pós-midiático", segundo a teórica, curadora, professora e crítica de arte Rosalind Krauss. Ou seja, sua obra se propõe a discutir as fronteiras entre arte e não-arte; entre o papel do curador, do autor e do colecionador de arte. Ao criar um Museu para expor em museus, o artista transforma a arte em uma questão de commodities – como se ela fosse um produto genérico – ao mesmo tempo em que se torna um preservador de objetos em extinção. Sua coleção de imagens de águias, que é um símbolo dos E.U.A., é o melhor exemplo disso. Tal apropriação de imagens embaralha a noção entre o que é original e o que é falso. Entre o que é ilusão e o que é realidade. Entre o que é único e o que é múltiplo.

Já em Matta-Clark – cuja obra é apresentada em objetos, imagens fotográficas e registros em vídeo – o que salta, de imediato, é a capacidade que o artista teve em se envolver com temas sociais e comportamentais dos anos 70, sem perder a atualidade. Além de uma poética contundente, seu engajamento político e humor tornam sua obra uma das mais profícuas da arte contemporânea. Dentre as obras expostas estão o hilário carrinho de respirar ar fresco, um muro de cimento e materiais reciclados e vários registros de obras e performances.

De Ana Mendieta – que tem nos rituais do corpo seu tema de trabalho – podemos apreciar várias de suas performances, registradas em vídeo e em fotografia, em que ela cava na terra, ou desenha com flores na água seu próprio contorno em situações em que a paisagem faz parte da relação com suas performances. No vazio do corpo cabem cores, fogo, perda de referências, de memória, etc.

Realidade e inteligência plástica

Além desses "históricos contemporâneos" que já valem a visita à exposição, as fotos do sul africano Pieter Hugo e as inteligentes e divertidas charadas "low-tech" que nos propõem a dupla portuguesa João Gusmão + Pedro Paiva, são alguns dos pontos altos da mostra.

No caso do sul africano, as fotos retratam cenas cotidianas de africanos em várias situações. Todas elas parecem deslocadas da realidade, embora sejam reais demais. São grupos de pessoas bizarras que se deixam fotografar; magistrados negros com perucas de tribunal que parecem não lhes pertencer e; artistas itinerantes que usam hienas e macacos babuínos em coleiras em suas aprsentações, no meio de paisagens devastadas pela exploração de diamantes e minérios.

A dupla portuguesa por sua vez, investiga o princípio da formação da imagem através de jogos em que texto e imagem fazem parte de uma narrativa onde a "baixa tecnologia" está a serviço de idéias que incluem postulados filosóficos e conceitos matemáticos. A partir de um feixe de luz projetado sobre um objeto qualquer, dentro de uma caixa preta, podem surgir as mais surpreendentes metáforas. Há, por exemplo, uma forma oval iluminada, projetada dentro de um ovo de avestruz, através de uma lupa, que sintetiza a natureza plástica de investigação da dupla.

Há, também, três projetores de filme 16mm passando várias cenas. O que chama a atenção, além do que é projetado na tela, em si, é que o próprio barulho do projetor – parecendo uma carroça, se comparada aos modernos vídeos – e a textura da imagem fazem parte do discurso visual, na obra. Na tela, podemos ver um homem tentando criar uma "Torre de Colombo", colocando um ovo, de pé, sobre outro, como se fosse uma coluna infinita da arte moderna. Ou um "Caçador de enguias", cuja imagem, passada de trás para diante, dá a impressão de bravura do homem que pega, com as mãos, em uma corredeira, uma enorme enguia. Há mais. Com duas tomadas de câmera, uma invertida e outra correta, atores "mudam" o eixo da terra. E, também, um duelo entre dois atores, diante de uma câmera fixa, de costas um para o outro, contando passos, até saírem de cena. Neste momento, o cenário, que é uma pedreira, explode.

Mais roteiros

Se você ainda não foi â Bienal, ou se ainda quiser ir novamente, recomendo, ainda, prestar atenção às obras de Dan Grahan e Dominique Gonzalez-Foerster. Talvez o tema da Bienal não lhe pareça tão evidente, mas, certamente, a visita às obras desses artistas lhe trará uma boa dose de prazer.

(Sobre)Viver junto na Bienal

2006-12-15T08:56:00.000-08:00

Igual na diferença
A idéia para o tema da 27ª edição da Bienal Internacional de São Paulo deste ano, "Como viver junto", veio de seminários realizados pelo filósofo francês Roland Barthes, entre 1976 e 1977. sobre "a vida em comunidades, em que os membros vivam em companhia e liberdade, como os budistas do Tibete". A partir dai, a curadora Lisete Lagnado vem trabalhando essa idéia que se desdobrou não apenas na mostra em cartaz no Parque Ibirapuera - até 17 de dezembro, domingo - como também em palestras realizadas ao longo do ano; produção de trabalhos que ocupam outros espaços da cidade; vivências, deslocamentos e viagens de artistas; bem como na realização de catálogos e livros, buscando levar essa questão o mais longe possível.
Diferença na igualdade
Viver junto é uma arte, mas o que se vê, logo depois da rampa de acesso ao primeiro andar do prédio, é um vídeo de um gato devorando um rato, na rua, como uma contra-imagem da possibilidade de compartilhamento existencial. Uma ilustração disso ocorreu pouco antes da montagem da mostra. A recusa do artista Cildo Meireles em participar do evento por causa de um banqueiro envolvido em corrupção que fazia parte da diretoria da Fundação Bienal, até aquele momento. Cildo não voltou atrás e seu trabalho acabou sendo o de não particiar do evento. Em todo caso, a pertinência do tema da Bienal é a da possibilidade de se levantar perguntas de como se viver juntos, sem uma economia solidária, sem distribuição de riquezas, sem iguadade de oportunidades e direitos. Esse é o cerne da questão.

+ ou - iguais
Uma das críticas possíveis à Bienal é a de que não foram chamados os coletivos nacionais de artistas, que desde os anos 90, pelo menos, se articulam buscando formas alternativas de sobrevivência, construção e visibilidade de seus trabalhos. Ninguém melhor que eles para mostrar como se dá a ocupação comum de espaços. A opção da curadoria, no entanto, foi a de privilegiar poéticas individuais, em espaços delimitados - tal como nas edições anteriores - transformando o tema em um slogan publicitário que pode ser entendido, também, como "alguma coisa nós temos em comum", ou "feito para você", sendo que o "você", no caso, são as milhões de pessoas que vivem fechadas "cada um na sua".

Desiguais
Além disso, há um excesso de trabalhos panfletários e diretos demais sobre política, mas internacionais e não brasileiros, como se não fôssems vitimados pelas mesmas questões de exploração, como na África, por exemplo. A falta de legendas em português e de informações mais detalhadas sobre obras e artistas tornam essa distância ainda maior. Vemos uma Ong da Argentina confeccionando capas de livros com papelão, mas se não entendermos que aquilo nasceu da crise recente naquele país, não compreenderemos o que quer dizer, de fato, aquele trabalho. Ou uma sala coberta com cartazes de protesto, mas como estão em outra lingua e pertecem a outro contexto, não nos envolvem.

Somatória final
Vale lembrar, no entanto, que o próprio Marcel Broodthaers - sobre o qual gira o conceito da Bienal - faz de seu trabalho uma tomada crítica à instituição, onde o papel do artista, do curador e do museu são colocados em suspensão, o que demonstra coragem da curadoria em expor sua visão de arte - e de uma mostra de arte - sob a pergunta feita a todos, que trata de "como viver junto?"

Coluna de Colombo

2006-12-12T09:28:00.000-08:00

da dupla portuguesa Pedro Paiva + José Gusmão

Todo mundo é artista

2006-11-01T06:06:00.000-08:00

O símbolo Ying/Yang, originário do Tao chinês, representa a união de forças contrárias, geradoras do movimento.

Todo mundo é artista

“Eu tô te explicando pra te confundir/ Eu tô te confundindo pra te esclarecer”
Tom Zé, na música “Tô”

Seja qual for a profissão da pessoa, se ela faz bem seu trabalho, é considerada um artista naquilo que faz. Sendo assim, os artistas podem assumir que o que fazem seja outra coisa, como revolução, medicina, sociologia ou matemática, certo? E entre artistas e não artistas não se encontram mais diferenças e distinções categóricas, desde que cada um saiba que o que faz tenha qualidades para ser chamado de arte. Qualidade, aqui, como consciência de um ato.
Outro ponto importante é que nos últimos 50 anos os artistas têm investido na participação do público como parte do processo de trabalho que passaram a fazer, valendo – como fórmula de um trabalho de arte que “funcionasse” – sua capacidade de interação com as pessoas. Público e obra só existem na medida em que se relacionam. A obra passa a existir, de fato, se for tocada, usada, vestida. Em última instância, não é isso o que faz um produto ser consumível, também? Portanto, ao descer do pedestal, ao perder sua moldura, não só a idéia de arte se modifica, mas também as coisas comuns tornam-se outras. Uma chave para abrir porta pode ser tão “arte” quanto uma chave capaz de acessar experiências subjetivas, como desejos, sonhos e idéias. Lembremos que “uma rosa é uma rosa, é uma rosa, é uma rosa”, mas não esqueçamos o que escreveu o pintor Magritte debaixo do desenho que fez de um cachimbo: “isto não é um cachimbo”. Podemos dizer que algo é aquilo que parece ser, de fato, mas, podemos dizer que algo é aquilo que pensamos que possa ser. Nada é, em absoluto, sem o filtro da interpretação, do símbolo, enfim.

O conceito de obra também não permanece estanque em forma de objeto, coisa materializada. Pode ser apenas uma idéia, um texto, por exemplo. Pode se dar no tempo, por etapas construídas por uma série de acasos, situações e processos inimagináveis e inumeráveis. Praticamente qualquer ato da vida pode se tornar arte, visto sob este ângulo. E aí a realidade não é só aquilo que vemos e fazemos, mas é, também, o que deixamos de fazer e o que não vemos. Não só o que ocorre na superfície da observação reagindo a nossos atos imediatos interessa, mas também o que permanece na esfera do obscuro, que nos usa para agir. Em pintura e escultura clássica aprendemos que a harmonia entre luz e sombra são o que definem o volume. Ou seja, as energias estão em oposição umas às outras, ao mesmo tempo em que a dinâmica entre elas cria o movimento da vida. Como no princípio de dualidade do Ying e Yang, que tem origem no Tao.

Levando em consideração que, hoje, a obra de um artista pode ser ele próprio – o artista enquanto arte – e que todos podem ser artistas, também, então, o ideal seria dizer que podemos viver em um “estado de arte” permanente, onde tudo e todos tenham essa potencialidade pronta para ser manifestada.
Para a física quântica, a observação muda o objeto observado. Sendo assim, devemos pensar que as relações não se dão mais em termos de sujeito e objeto, mas de trocas constantes entre meios distintos, onde o real e o sensível são partes indissociáveis de uma visão de mundo único para todos.
Desse modo, a arte torna-se um agente de transformações e conexões em que o social, o ambiental e o comportamental são levados em consideração. Transbordando além de suas fronteiras específicas, já que não atua mais como um jogo de formas dispostas em uma superfície determinada, como palco para suas ações. A arte ganha a rua, ganha os espaços públicos, amplia o circuito em que se move. Cria meios de difusão além do mero objeto, ou de seu registro, infiltrando-se na vida.
A chave para cada um se tornar artista é a compreensão de que aquilo que faz está inserido não só no ato em si, mas repercute na própria dimensão dos sonhos, dos desejos e das fantasia, que são tão reais quanto o que acreditamos ser a realidade.

pileggisa@hotmail.com

Arte política

2006-09-26T20:47:00.000-07:00

”Cowboy com chapéu”, de 1990. Trabalhos de Hans Haacke questionam a relação que envolve os patrocínios culturais.

ARTE POLÍTICA

Ações concretas
A arte mais contundente nem sempre está a favor do discurso do poder. Ao contrário, a arte que possui espírito crítico deve se valer de sua posição diante da realidade dos fatos, propondo caminhos de atuação. Foi assim com o "Construtivismo Russo", inserido em uma realidade concreta revolucionária. Foi assim também com o expressionismo alemão. E foi esse o tema que John Heartfield usou para suas fotomontagens contra Hitler e o Nazismo. Mudando inclusive seu nome, alemão, para o inglês, como provocação ao III Reich.
Ou como a Bauhaus, uma escola de design, arquitetura e artes plásticas de vanguarda que funcionou entre 1919 e 1933 na Alemanha, com uma proposta de "arte industrial para as massas". Quase cem anos depois, as estéticas promovidas por esses artistas e movimentos continuam faróis que se miram à distância, como referência artística, ainda que se questione a ideologia que as originou.

Dois exemplos
Quando o assunto é arte política, dois nomes, com certeza, irão se destacar da lista. São eles o brasileiro Cildo Meireles e o alemão Hans Haacke. Cildo, na década de setenta, colava adesivos de protesto em garrafas de coca-cola, chamado esse trabalho de "inserções em circuitos ideológicos". Recentemente recusou-se a participar da Bienal de São Paulo, que ocorrerá este ano, em protesto à permanência de um banqueiro envolvido em fraudes, no Conselho Deliberativo da entidade. Dessa forma, Cildo conseguiu várias monções de apoio e solidariedade à sua atitude, que ganhou visibilidade. E, mesmo que não tenha sido um gesto para se transformar em uma “arte política”, não deixa de ser relevante que o banqueiro, por fim, tenha sido exonerado do cargo.
Haacke vai por essa mesma linha. Convidado a fazer uma mostra de seus trabalhos, juntou processos, documentos e fotos de uma pesquisa sobre os negócios imobiliários de um dos diretores do museu em que iria expor e fez disso seu “trabalho de arte”. Foi recusado semanas antes da abertura do evento, sob alegação de que aquilo que mostrava "não era arte", mas "uma crítica social específica". O fato ganhou repercussão e conseguiu chamar mais atenção por não ter sido exposto, do que se tivesse sido.
Em 1990, a companhia tabagista Philips Morris patrocinou uma exposição dos dois maiores nomes do Cubismo – Picasso e Braque – no MOMA, em Nova York, mostrando colagens. Haacke, então refez algumas destas colagens, aparentemente semelhantes aos originais, mas com alguns ingredientes a mais que perturbaram a relação de interesses que a empresa de tabaco mantinha com a instituição de arte. Como referência àquela exposição, colocou cigarros na boca dos personagens. E no lugar dos papéis de jornal originais, colou partes de jornais que falavam da exploração da indústria do cigarro em outros países. O que tornou claro, a partir de então, foi que empresas não patrocinam eventos de arte por pura benevolência, mas para associar sua imagem ao status que a arte costuma carregar em torno de si.

Consciência do contexto
Para esses artistas, nossa iniciativa não deve ser contemplativa, mas de questionamento. Não podemos simplesmente consumir as imagens sem pensar no que elas querem nos mostrar, de fato. Mesmo a mais ingênua pintura de natureza morta tem a nos dizer muito além do que a técnica empregada na sua feitura. Interrogar qual rede de interesses está por trás daquilo que nos mostram, ou que tentam nos esconder, é tomar consciência do contexto em que essa arte busca inserir-se.
Não são apenas dados estéticos que estão em jogo quando a arte se apresenta. Por isso, a arte política é aquela que melhor sabe mobilizar questões como essas, que, em última instância, requerem consciência.

autor: Rubens Pileggi Sá - uso sob critérios de copyleft

Arte da política, política da arte

2006-09-20T13:58:00.000-07:00

“Oba, a manteiga acabou!”, de 1935. Fotomontagem de John Heartfield ironizando a propaganda nazista, do ministro Goering, em um discurso em Hamburgo: "Ferro sempre tornou impérios fortes, manteiga e toucinho têm no máximo tornado as pessoas gordas.”

"Um político divide os seres humanos em duas classes: instrumentos e inimigos."
F. Nietszche

Arte da política
A relação que une arte e política é menos estranha do que poderia parecer. Arte e política sempre tiveram uma relação imbricada, mesmo que a arte da política e a política da arte não caminhassem em direções simultâneas.
Mas não essa arte da política que cria monstrinhos que aparecem na tela da televisão em épocas de eleição. Aliás, o que se vê de menos, nessas épocas, é política como arte. A não ser que consideremos os candidatos atores, e seus agentes publicitários vendedores de embalagens, onde a maquilagem e a interpretação é o que valem para arrebatar votos. Embora sejam muitos os candidatos disputando cargos, sabemos que poucos deles estão interessados, de fato, nas possibilidades de inclusão social, em ativar mecanismos para a proteção ambiental, em se sacrificar por uma mudança de hábitos viciados da prática governamental e uso de seriedade e transparência de comportamento diante da máquina administrativa. Refazer esses hábitos seculares é lutar contra a próprio poder constituído em nosso país, como nação explorada. Mesmo que existam candidatos dispostos a mudar esse quadro, se eleitos serão obrigados a negociar e a jogar conforme quer o capital, sob o risco de terem seus mandatos engessados. E isso até o mais extremista deles sabe quando se dispõe a participar do mercado eleitoral.

A arte da política é quando, realmente, se consegue chegar a comuns acordos em benefício da coletividade. Quando se consegue o entendimento sobre determinado ponto de vista e partilha-se dele. Quando se chega à prática visando o bem comum e de acordo com as pessoas interessadas. Quando se consegue gerenciar conflitos através do debate aberto e sincero. E não o pseudo-debate, como em um jogo de cartas previamente marcadas. Quando a hierarquia entre a base eleitoral e governo é minimizada, senão abolida, na disputa dos vários interesses que movem o poder. Como diz o ditado: melhor morar em uma casa de sapé sabendo do que está acontecendo, do que em um palacete no meio do desentendimento.

Política da arte
Já a política da arte, essa flutua no emaranhado de uma trama que depende tanto da visão dos agentes que estão no poder político – se pensarmos arte como conjunto de valores simbólicos produzidos dentro de uma comunidade – quanto da capacidade de organização dos próprios produtores culturais para atingir objetivos específicos, que dizem respeito à cultura na qual essa arte é produzida.
Por exemplo, nem sempre os interesses dos artistas são levados em consideração na hora da distribuição das verbas públicas para a arte e para a cultura. Mesmo disfarçado de representação democrática, com leis regularizando a aplicação de verbas, não estamos imunes ao “assistencialismo cultural” disfarçado de obras sociais. Até porque a cultura não se resume à arte. E os recursos – divididos com a educação, com o esporte, com a saúde e até com obras públicas, em vários casos – diluem-se.
Mas fazer política de arte é também forçar nossos representantes a enxergarem o valor desses "produtos simbólicos" para além de suas concepções "sociológicas", ou de suas visões sobre arte "moderna". Porque a criação artística antecede ao discurso e à própria política pública que irá gerenciar a arte. Porque fazer arte não é produzir o que se espera – seja por quem for – o que seja arte. A produção da arte se dá antes como visão de mundo e não como ação que prevê um determinado sucesso de público, ou de crítica, ou de acomodamento em uma base ideológica, ou político-partidária. E uma arte que não seja subversiva e crítica, desde a própria formulação; uma arte cuja inquietação não seja o fermento de sua origem e; uma arte que não esteja fundida à própria terra onde deveria ser parida, só se torna um instrumento nas mãos de quem agora as estende, pedindo seu voto, (e)leitor.

Arte da conversa

2006-09-06T08:34:00.000-07:00

Ilustração captada da internet, de fonte desconhecida.

Pra começo de conversa –
Isso é arte? Se há uma pergunta mais delicada do que difícil de responder, é essa. Não porque se saiba ou não sua resposta, em profundidade histórica, ou sociológica, ou filosófica. Ou porque dependa do contexto à qual ela é aplicada. Mas porque ela está tão intimamente ligada a uma questão de gosto e juízo, ao mesmo tempo, que, dependendo do interlocutor, corre-se o risco de perder o amigo.
Porque a primeira formulação de alguém que se arrisca a fazer esse tipo de pergunta e ver-se contrariado nas suas crenças é a de desmerecer a razão, baseado em algum sentimento que aquilo proporciona à pessoa. E, normalmente, vem com o seguinte subtítulo: “eu não entendo de arte”. Logo, se aquilo é ou não é arte, pouco importa a ela. Importante, sim, é o que ela gosta. E não se discute mais isso. “Friozinho hoje, não?”
Mas, uma vez começado o assunto, porque cortá-lo assim, só porque não houve acordo sobre algo ser ou não arte. Não é mesmo? Tentar reintroduzir a questão de uma maneira mais ou menos sutil, pode surtir efeitos: “Falar em frio, hoje está bom para um vinho, você não concorda?”. “É uma idéia!”, o outro responde.
Admitindo que esse diálogo seja entre duas pessoas que conhecem um pouco sobre vinho, essa é a senha para voltar a se falar do juízo de gosto. “Pois é! Saber apreciar a arte é como saber apreciar um vinho. Você pode gostar de um vinho adocicado enquanto não souber apreciar o sabor de um vinho seco, que pode parecer amargo, mas cujo sabor é resultado do aroma da fruta, tempo de maturação da bebida, etc.”. E aquela ilustração publicitária, motivo do início da conversa, acaba servindo, pelo menos, para se pensar em alguma potência a mais que a arte poderia ter, além de ser bonita. Ou, doce, se fosse o vinho dessa conversa.

Um pouco de conteúdo –
No livro, “O abc da literatura”, o poeta Ezra Pound faz uma hierarquia de valores para os escritores, colocando os “inventores” no topo da cadeia criativa da arte, até chegar aos “beletristas”, que seriam os escritores sem talento que copiam à perfeição aquilo que pelos outros foi inventado e que pela história foi consagrado.
O filósofo Walter Benjamin, coloca que o que alterou a visão sobre a arte foi o “desenvolvimento das técnicas de reprodução”, pois a arte passa ter uma “aura” como produto cultural. Pensando particularmente no cinema, Benjamin vê um lado positivo nessa arte feita para as massas, que poderia veicular idéias sociais e ideológicas.
Já o filósofo alemão Theodor Adorno coloca que esse tipo de arte é apenas um barateamento que a “indústria cultural” impõe às massas, tornando as pessoas incapazes de ouvirem, por exemplo, um repertório musical mais sofisticado do que aquele veiculado pelas mídias.

Vamos esclarecer –
Mas o que isso tem a ver com a conversa dos amigos lá de cima? Talvez seja melhor tentar esclarecer o que quer dizer a palavra arte, antes de continuar nosso assunto.
Sua origem vem do sânscrito, e quer dizer “capacidade de dominar a matéria”. Em grego a palavra arte é teknée (de mesmo radical semântico teknoma - filho e teknosis - parto). Óbvio que teknée se transformou na idéia que temos de técnica, hoje. O que poderia dar razão a quem não entende de arte. Algo bem realizado deveria ser, então, técnica. Mas não basta para se definir o que é arte.
Na acepção latina arte é ars e é kunst para os germânicos. Para eles, estas palavras também davam idéia de perícia, mas estavam voltadas para um fim, que podia ser ético, estético ou utilitário. O que torna a definição sobre arte mais complexa.
Até o Renascimento, de fato, o que se entendia por arte era a repetição de formas mais ou menos parecidas, copiadas de iluminaras, ou aprendidas nas "Guildas" - que eram as oficinas de artesanato da idade média - e que nem autoria tinha. E arte mesmo era a música, ou a lógica, mas a pintura, por exemplo, só veio a ganhar esse "status" com Leonardo da Vinci, que disse que "la pittura é una cosa mentale".
Arte, mais ou menos como se pensa hoje em dia, só existir a partir de 1863, com a recusa do trabalho de Manet (o almoço na relva) no Salão Oficial de Arte de Paris. Agora a arte passa a agregar valores estratégicos, que antes não eram considerados. Ela pode ser uma denúncia, mas também pode vir a ser o contrário daquilo que o artista pensa estar denunciando. E se transformar em uma mercadoria qualquer. Utilizada para a manipulação de poder.

Fim de papo –
“Em suma”, tenta resumir o teórico de arte e conhecedor de vinho, diante de seu amigo estarrecido, que só queria mostrar um quadro que ganhou, para pendurar na parede: “uma coisa era lá, à época, quando os artistas criavam essas imagens, baseados em uma filosofia de vida, quando estavam ligados a um movimento artístico que tinha uma visão de mundo para propor”. E continua: “outra coisa é aparecer tais imagens que a gente nem sabe de onde veio, cheias de açúcar no vinho que eu nem ainda tomei”. E propõe: “vamos buscar um vinho para brindar?”. “Só se for para conversar sobre futebol”, diz o outro. Os dois riem.

Sincretismo, mimetismo e identidade cultural

2006-08-29T17:43:00.000-07:00

NBP, trabalho de Ricardo Basbaum, em que as pinturas na parede possuem cheiro.

Em um texto sobre o trabalho do artista carioca Ricardo Basbaum, na revista Item5, Maria Moreira toca em duas questões fundamentais da formação da cultura brasileira, que hegemonicamente é judaico-cristã, mas formada também pela(s) cultura(s) africana(s) e indígena, interligadas por uma ponte que relaciona as culturas através do mimetismo e do sincretismo, em suas formas de preservação de identidades e resistência às opressões operadas de uma cultura sobre outras. Assim, quando o inimigo está demasiado próximo, é preciso se camuflar, como o camaleão, no ambiente no qual se está inserido, confundindo-o. Quando o inimigo impõe seus elementos simbólicos, culturais, é preciso saber incorporá-los, resistindo, assim, à interpretação que o opressor faz desses símbolos.
A esse respeito a autora do texto “Repersonalização, enfrentamento e reversibilidade” cita Roger Bastide, que coloca que a fusão entre Iemanjá e Nossa Senhora “não leva à conversão, à eliminação ou à assimilação de um item sobre outro”. Mas que cada um vê nas imagens seus próprios esquemas de percepção e explicação da realidade, sem que se dê, na verdade, a acomodação do signo em um só contexto. Um jogo de analogias e não de fusão. E que o mimetismo “é uma estratégia de combate”: “o ruído futuro de um segredo explosivo”.
E isso significa que, historicamente, desde quando foram trazidos os primeiros escravos negros, que são as estratégias de dissimulação e aparente ausência os modos pelos quais a cultura do país passa a ser equacionada. E, aí sim, estamos falando no Estado Brasileiro e suas formas de manutenção e uso do poder segundo uma negatividade de ação.
E a negatividade da ação, nesse caso, não supõe uma ação negativa, mas de retirada. E, ao retirar-se, muitas vezes, aquela falta torna algo ainda mais presente do que sua presença, de sua participação. Por exemplo, quando colocamos a culpa no governo por isso ou por aquilo, atestamos ao governo uma situação de poder. Damos valor a ele.
Tais formas de hibridismo que se colocam podem confundir o observador incauto, que vê a forma, mas não conhece o conteúdo daquilo que está sendo dito. Até porque pode ser que o que está sendo dito não é da ordem da palavra, mas do olfato, do gosto, ou da imagem (visão), por exemplo. Ou que a uma coisa corresponda outra, ou a negue.
Aceitar, simplesmente, a mestiçagem como algo positivo, copiando, sem refletir, os modos de ser do outro é descaracterizar, ou assumir que não se possui cultura própria. Mas isso também é parte de uma cultura, ou de uma imposição cultural, uma vez que a desagregação se revela como fonte do individualismo, do discurso securitário e do messianismo. Ela reforça uma cultura de consumo.
Já dizia um sábio jornalista que “não existe criação sem tradição que a nutra, assim como não existe tradição sem criação que o renove”. No sentido icônico, que nos remete novamente à esfera da criação artística e ao texto inicialmente citado sobre o artista Basbaum, a autora pensa no termo lateralidade, distinguindo-o da antropofagia, do tropicalismo ou do hibridismo, que se tornaram uma fórmula fixa para se pensar uma cultura em trânsito. Prega, então, no caso dos símbolos, o não apego às suas formas, mas o deslizar constante de seus significados, com ênfase na ação do sujeito que circula entre os objetos e não entre os objetos nos quais ele circula. Pois em sociedade transculturais como a nossa, as articulações, paras serem mantidas, necessitam sempre estar ligadas às suas raízes, mas também, de olho no jogo em que se operam as questões contemporâneas de informação, mídias e sistemas tecnológicos.

CARECA DE SABER

2006-08-26T13:38:00.000-07:00

Com a faca no pescoço

Barbeiro/fotógrafo/priapista mostrando a Força Jovem...

CARECA DE SABER

2006-08-26T13:30:00.000-07:00

PERFORMANCE REALIZADA EM ANTONINA, Paraná,durante o 16º FESTIVAL DE INVERNO promovido pela Universidade Federal do Paraná, dentro do projeto REDES / FUNARTE e produzido por EPA! (Expansão Pública do Artista), capitaneada pelo artista Newton Goto.

Performer: Rubens Pileggi Sá
Título do trabalho: “Careca de saber”
Data: Julho de 2006
Registro: Newton Goto

CONTEXTO:
Discutir questões relacionadas à ética e à estética, em uma barbearia, a partir do quadro eleitoral nacional e a polarização, pela mídia (até o momento em relação às pesquisas) entre dois candidatos à presidência da República e suas propostas (ou falta delas) para governar o país.

AÇÃO E REFLEXÃO
“Careca de saber”: relativo à sabedoria e à perda de cabelo enquanto fenômeno físico por ação do tempo (calvície) ou corte de cabelo. Experiente.

A PERFORMANCE
Realizada em uma barbearia local, no centro da cidade, onde os homens se reúnem para falar mal da vida alheia, política e futebol (não necessariamente nesta ordem). Ou, a barbearia é o rádio-peão da cidade interiorana.
Com duas placas à mão, uma escrita LULISMO e a outra ALQUIMISMO, o performer mandou cortar seu cabelo e barba, mudando assim seu visual radicalmente.
A questão colocada era a mudança que se gostaria de fazer, saindo de uma situação política ligada ao Lulismo – em referência ao presidente Lula – para se chegar ao Alquimismo. Mas não ao Alckimismo do candidato do PSDB à presidência, mas daquele referente à Alquimia, na idade média, que tinha por busca a pedra filosofal, de transformar o chumbo em ouro (não pelo vil metal em si, mas pelo que ele representa, seu referencial simbólico, enfim!)

A partir de uma consideração genérica, de que os militantes de esquerda são barbudos e cabeludos (desde descuidados até almofadinhas) e os integrantes da direita política partidária são carecas e barbeados (repare!), o artista começou uma conversa na barbearia envolvendo várias pessoas do lugar, para falar sobre arte e política. Questionando, ao mesmo tempo, a ética e a estética enquanto conduta de ação individual e coletiva. E colocando temas como reforma agrária, legalização das drogas e reestatização dos setores estratégicos para que as pessoas refletissem e opinassem sobre essas questões.

Ao final do trabalho, o barbeiro também quis participar da performance além de seu trabalho cotidiano, tirando uma foto com a máquina dele, que, ao invés de foto, saia um pênis quando apertado o clique. O que tornou ainda mais jocosa a cena toda, porque falávamos de esquerda e direita. E toda agremiação populista possui sempre uma ala denominada de “força jovem” ou “juventude socialista” ou “juventude fascista”, que são jovens com idéias velhas, que sustentam o poder do phalo grande e duro como símbolo da sociedade machista e patriarcal.
Como uma boa performance de barbearia, restava-nos apenas rir. E foi o que fizemos. Afinal de contas, uma das estratégias para se começar um assunto sério é a descontração no início da conversa e o aprofundamento do debate, em seguida.
CARECA DE SABER, então, tem a ver com essa situação de jogos polares políticos e a transcendência dessa situação – a alquimia – através da sabedoria.

Antonina Pr. – julho 2006

ampliação dos temas de debate

2006-08-26T13:22:00.000-07:00

A partir de agora não serão mais apenas os textos escritos para a coluna do jornal Folha de Londrina que postarei aqui. Usarei esse espaço para falar e mostrar trabalhos meus e de outros artistas, também.

Gostaria de convidar a todos para outros dois blogs, de minha autoria:

http://bocarra.blogspot.com

http://poesiatododia.zip.net

no primeiro o assunto é o debate político e social, denunciando a farsa ideológica, muitas vezes travestida com o nome de democracia.

no segundo, são as poesias que eu cri0.

Ou seja, aqui ficará um espaço mais aberto, alternativo e genérico. Enquanto nesses outros dois blogs, o assunto é bem focado.

É isso.

AGOSTO MORTAL

2006-08-24T21:32:00.000-07:00

Agosto mortal

Um personagem romântico pensando na morte:
É um dia frio de agosto, o céu está azul. No rádio toca Raul Seixas, morto em 21 de agosto de 1989, cantando “Canto para minha morte”: “Vou te encontrar vestida de cetim/ pois em qualquer lugar esperas só por mim/ e no teu beijo provar o gosto estranho/ que quero e não desejo, mas tenho que encontrar...” Volta-se à biblioteca e lê, do poeta russo Vladimir Maiakovski (1893-1930) – em tradução do poeta Haroldo de Campos (1929-2003) – a homenagem a Serguéi Iessiênin, seu amigo, também poeta, que se suicidara: “morrer não é difícil / difícil e a vida e seu ofício”.

É agosto. Carlos Drummond de Andrade morreu em agosto. Getúlio Vargas suicidou-se em agosto. Trotski foi assassinado em agosto. Marilyn Monroe. Princesa Diana. E até Elvis – que, dizem, não morreu – morreu em agosto. Muita gente morre em outros meses, mas morrer em agosto tem outro sabor. É o mês da terrível noite de São Bartolomeu, quando foram massacrados mais de 70 mil protestantes na França, em 1572. É um mês feito para se morrer. Pensa em morrer em agosto, também. Pensa que seu pensamento está muito enciclopédico, hoje. Mas nem por isso deixa de pensar na morte: “antes é que se morria”, já sabia o poeta Leminski, morto em 1989.

Filosofia e morte:
As dores, as pestes, as doenças, nos forçam a lutar pela vida. São paradoxos da existência. Dizem: aqui sangra! Mas a morte não ocupa lugar algum. Não fornece pistas. Não emite sinais. Somos impotentes para questioná-la, pois ela não nos dá possibilidades de retorno, chances de acaso, nem consolo de probabilidades. Ela é definitiva. Morrer para ganhar vida eterna. Morrer para ficar para história. Morrer para ficar na memória. Morrer para ser esquecido. Morrer para esquecer. Morrer não é nenhuma glória. Principalmente enquanto se está vivo e se sente morto. Ou se é um morto-vivo, que perdeu a coragem de enfrentar a vida. “A morte não nos concerne”, dizia Epicuro, “quando somos ela não é, e quando ela é, não somos mais”.

“Os mortos governam os vivos”. Essa frase de Oswald de Andrade (1890-1954), de repente, toca o x da questão. E faz lembrar da louca Jardelina da Silva, morta em agosto (também) de 2004, que era “mão de morto”, como ela dizia. Ou seja, tudo o que fazia era comandado – segundo ela – pelos espíritos dos mortos.
Talvez, seja esse sentido de apropriação “espiritual” o que de mais importante podemos considerar na morte: como sendo parte de um ciclo; ponte para passagem de um mundo a outro; movimento necessário à continuidade da existência. “O momento mais escuro da noite anuncia o início da claridade da manhã seguinte”. E a arte a imortalizar esse momento.

A arte eterniza a vida:
O artista Flávio de Carvalho (1889-1973) desenhou sua mãe no momento em que ela morria, captando os últimos suspiros dela nesse planeta, em uma série que se tornou célebre na arte nacional. São desenhos muito rápidos, croquis, mas que emanam essa urgência de registrar a vida em seus estertores. E os retratos de sua mãe entraram para a posteridade...
Sobre a morte, também, há um trabalho extremamente inteligente e delicado feito pela artista Yoko Ono – viúva de John Lennon (1940-1980) – intitulado “Árvores do desejo”, de 1998, realizado no Brasil, em homenagem aos camponeses mortos no dia 09 de agosto (olha aí!) de 1995, no massacre de Corumbiara. Trata-se de vários caixões de defunto cheios de terra, em que se plantou mudas de árvores perfumadas, evidenciando uma metáfora entre morte e renovação.

Esquecendo da vida:
Nosso personagem, então, deixa de lado a biblioteca, passa ao largo do livro “Os sofrimentos do jovem Werther”, do poeta alemão J. Goethe (1749-1832), que se suicida por um amor não correspondido, e aumenta o som do rádio que, neste momento, toca “Fita Amarela”, de Noel Rosa(1910-1937): “Se existisse alma/ se há outra encarnação/ eu queria que uma mulata/ Sapateasse no meu caixão”. Abre a janela, deixa o sol entrar e esquece da vida (e também da morte).

agosto mortal

2006-08-24T21:29:00.000-07:00

O Dia da Morte; pintura de William-Adolphe Bouguereau (1825-1905)

além do choque, do deslocamento, do estranhamento

2006-07-28T09:17:00.000-07:00

Vídeo-instalação “Os Sonhadores”, de Bill Lundberg: artistas, poetas e intelectuais são filmados dormindo e depois as imagens são projetadas sobre travesseiros

Umas e outras

2006-07-04T11:57:00.000-07:00

Poema visual de Regina Vater

Arte é tudo, menos pura
Se nem a cachaça é mais pura, o que dizer, então da arte, que se hibridiza em novas experiências e relações a cada vez que se “comete” um ato artístico? Quando alguém diz que está em busca do gesto puro – sem levar em consideração que toda a busca por pureza foi ingênua e acabou em genocídios. E que o Brasil é a forma definitiva e acabada de miscigenção – não só está negando o que lhe é devido, como está querendo reinventar a roda sem ter caminhos para ir.
Negar a arte conceitual, negar a interdisciplinaridade, a multiplicidade e a contaminação é negar a própria potência que a arte possui, enquanto agente de transformação e desenvolvimento espiritual, que é a raiz da cultura.

Futebol também é arte
Acima do ufanismo, devíamos agradecer se, acaso, essa derrota da seleção brasileira na copa representar o fim da era Parreira, e seu “futebol de resultados”. Chega de futebol feio. Queremos gols com classe e categoria. O que Zidane e seu time fizeram à seleção deveria ser o prenúncio de um novo tempo, que enterrasse o jogo retranqueiro. Mesmo a Argentina, que perdeu jogando bem, cometeu a mesma falha: não devia ter mexido em time que estava ganhando. Futebol arte, para agradar nossos corações!

Dos Estados Unidos para o Paraná
Regina Vater e Bill Lundberg estarão em Curitiba, nesta quinta-feira, dia 06, no Espaço de Convivência da Casa Andrade Muricy (Rua Dr. Muricy, 915) mostrando vídeos, vídeo-instalação e para uma palestra, a partir das 18 horas.
Bill é estadunidense e é considerado um dos pioneiros da vídeo-arte. Seus trabalhos geralmente unem a realidade virtual com a realidade “palpável”, através de projeções de vídeos em superfícies não-convencionais, como a projeção de um homem mergulhando em uma piscina, sendo que o homem é uma projeção e a piscina é real. Ou um jogo de tênis, em que a mesa é real e a bolinha, sendo jogada de lá para cá, uma projeção. Para esse rápido encontro o artista trouxe a instalação “Sonhadores”, que é uma homenagem a artistas, poetas e pensadores da cultura: são travesseiros colocados no espaço da galeria, onde se projetam imagens gravadas de artistas dormindo. O resultado plástico de seu trabalho é extremamente poético e metáfora para discursos sobre intimidades, em que a ilusão passa a ser um componente revelador do que somos.
Já o trabalho de Regina Vater é pontuado por performances e ações que levam em consideração os conhecimentos de rituais espirituais da humanidade, como o xamanismo e as práticas tibetanas de meditação. Regina, pertence à geração de artistas atuantes desde a década de 70. É casada com Bill e vive nos E.U.A. desde os anos 80. Aqui ela irá mostrar alguns vídeos já realizados, além de material inédito, que teremos a oportunidade de ver em primeira mão. Sobre o trabalho dos artistas, escreve o artista Newton Goto, que faz a produção desse evento: “Artistas cujas trajetórias convergiram para experimentações com a linguagem em vídeo e, primordialmente, para a investigação da arte como uma atividade eminentemente atrelada ao campo expandido da cultura, ao contexto social e a reflexões sobre a condição humana”.

Festival de Inverno de Antonina
Começa na semana que vem o Festival de Inverno de Antonina, no litoral paranaense, produzido pela Universidade Federal do Paraná. Convidado a participar do evento de “Circuitos Independentes”, através do projeto Redes, da Funarte, que fará parceria com o Festival, mostrarei alguns vídeos inéditos de performances e ações individuais e coletivas realizadas em Londrina. Tudo muito miscigenado, mas feito com muita garra e vontade. Coisa que faltou ao escrete canarinho... Tudo bem, daqui quatro anos, poderemos cantar de novo, “eu sou brasileiro, com muito orgulho...” e mostrar que ainda somos ufanistas, embora isso não nos sirva de consolo.

A CARAVANA

2006-06-22T11:28:00.000-07:00

GUERREIROS DO ARCO-ÍRIS:
POÉTICA , POLÍTICA E ESPIRITUALIDADE

O sonho (não) acabou

2006-06-21T07:34:00.000-07:00

http://www.lacaravana.org/2006/PORTUGUES/HOMEPORT.HTM

“Você pode dizer que sou um sonhador/ mas não sou o único não/ e espero que um dia você se junte a nós/ e o mundo será uma coisa só”.
John Lennon

Horrorizado diante dos crimes cometidos pelos nazistas, o filósofo Theodor Adorno sentenciou que não podia mais haver poesia depois de Auschwitz. Mas um outro filósofo rebateu que depois de Auschwitz, a vida somente era possível através da poesia. Do mesmo modo, a célebre frase de John Lennon, que disse que “o sonho acabou”, após a dissolução dos Beatles, foi interpretada pelo poeta Gary Snyder como possibilidade de evoluir para além do sonho, naquilo que os movimentos dos anos sessenta propunham.

De fato, um clima de “baixo astral” dava razão aos mais céticos e cínicos, de que o sonho havia acabado. E acabado mal. Para isso contribuíram as mortes de Janis Joplin e Jimmy Hendrix, dois ícones da geração “paz & amor”. Crimes sexuais forma apontados como praticados por ativistas de esquerda. Um jovem negro foi assassinado em pleno show dos Rolling Stones. E a ditadura de mercado cantou vitória sobre a utopia daqueles jovens sonhadores.
Muitos voltaram para casa. Tornaram-se yuppies. Renegaram o sonho. “Coisa da juventude”, vovó tentou contemporizar. “Agora ele arruma um emprego”, disse o velho.

Nem todos abandonaram a utopia. Poucos resistiram. E partiram para a ação. Semana passada e retrasada passou por Londrina a “Caravana do arco-íris”. Motivo de curiosidades, seus membros deram entrevistas, realizaram palestras, cursos, participaram de eventos de outros grupos e deixaram a cidade. Um total de 20 nômades, em quatro caminhões, falando de tribalismo, ecovilas, experiências xamânicas, alimentação natural, antropologia andina, permacultura, cura holística, histórias ancestrais, etc. Assuntos que fazem rir quem parou de sonhar.

Mais vivo do que nunca, um dos “filhos da bomba atômica”, o “homem do mundo”, Alberto Ruiz Buenfil, que é o organizador da Caravana, na idade de seus 61 anos, esforça-se para passar 40 anos da experiência que tem, em pouco mais de 5 horas que ficamos juntos.
Meu interesse é artístico. Não quero saber de misticismo. E ele me diz que não praticam misticismo, mas espiritualidade. Vou direto ao ponto. Quero saber sobre arte e política e o que é desenvolvido pela Caravana, neste sentido. Dou mais uma dica para sugestão de conversa. Falo no Situacionismo dos anos 60. E então um portal se abre nos olhos do “guerreiro do arco-íris”. Ele não só sabe do que estou falando, mas diz que pertenceu à Segunda Internacional Situacionista, em 1971, fundada por Asger Jorn (1914-1973) e o irmão dele. E que foi dali em diante que ele iniciou a prática do nomadismo. A fim de criar uma cultura que fosse tribal e global, ao mesmo tempo. Que saiu da Suécia, voltou para o México, foi para Cuba, fundou comunidades e, desde 1996, estava com a Caravana, atravessando desde o Alaska até a Terra do Fogo, na Argentina. Fazendo reuniões com comunidades indígenas, desenvolvendo eventos de cura e regeneração da terra e tudo aquilo que a contra-cultura e a geração hippie sonhou um dia. Convida-me para entrar no ônibus/biblioteca e mostra seus vários livros. Alguns de sua autoria. Sobre anarquismo, situacionismo, xamanismo e, claro, tudo aquilo que o movimento hippie sonhou um dia. E ele, na prática ainda hoje realiza.
Os demais membros da Caravana vão, cada um, cuidar de suas atividades. Depois nos chamam. Dizem que estamos atrasados e precisamos partir. O sonho acabou. É preciso agir!

666 continuação

2006-06-20T13:53:00.000-07:00

O Demônio é acreditar em Deus, mas torcendo pelo apocalipse, o fim do mundo, o dia do juízo final, porque o crente convertido poderá chegar aos céus. O Capeta é a apologia da ignorância, que ignora sutilezas. O 666 é o fracassado usando Deus para se esconder da concretude da luta contra as injustiças terrenas. O Diabo é o pai do rock.

666

2006-06-06T12:31:00.000-07:00

Painel central de “O jardim das delícias terrenas” (1505-1510). Pintura de Hieronymous Bosch

“lúcifer, senhor dos caminhos! iluminai nossas veredas. desencadeai a ígnea tempestade para que o mais humano entre os deuses, o mais santo entre os mortais, possa de novo caminhar à luz do dia, com seu chifre, cetro e rabo. lúcifer! lúcifer! imperai!
Lúcifer, do livro Letra Elétrika (1994), do poeta Chacal

Diz-se por aí que 666 é o número da Besta. Lembro-me de um filme que raspavam a cabeça de uma criança e o número estava escondido lá, o mesmo número de que fala a Revelação do livro Apocalipse, da Bíblia: a marca do anticristo, do demônio, do Mal em si.
Ontem foi o dia 06 de junho de 2006, ou 6/6/6, para simplificar. 666. E se o apocalipse ainda não começou depois desse dia, quem sabe vale pensar um pouco sobre a significação do Diabo com a história e sua influência na arte, quando o próprio rock é convertido em manifestação de oração em igrejas evangélicas. Como se a gente não soubesse que “o Diabo é o pai do rock”.

Dias desse ouvi de um pai-de-santo da cidade, que ele se sente injustiçado com o capeta, porque esse é “tão macho” lá na sua tenda, exigindo sacrifícios disso e daquilo e quando ele é incorporado em uma igreja evangélica vira – como disse ele – “uma franga”, sendo rechaçado por qualquer pastorzinho que aparece pela frente.
Será que o diabo foi domesticado? Fidel Castro, em uma entrevista para uma revista de esquerda, dos Estados Unidos, a Select, disse “que quando lhe dão o título de diabo, você, então, se torna muito mais poderoso do que é de verdade, porque se torna indestrutível”. “Todos te respeitam”, completa o homem forte de Cuba.

O filósofo tcheco-brasileiro Vilém Flusser, em seu livro “A história do diabo” faz uma colocação sobre o diabo bastante pertinente, quando diz que “o diabo é o princípio conservador da matéria”, enquanto o criador está ligado à intemporalidade e à dissolução do ser, para salvá-lo. Ou seja, o diabo seria o princípio palpável, material, concreto, enquanto Deus, ou o princípio divino estaria ligado à pureza e à unidade no Ser. E destaca que o diabo tem um dever, que é o de manter a “temporalidade”.

A invenção do diabo, a loucura e a criação artística possuem em comum o fato de desconfiarem da razão e da lucidez, e sempre questionarem a noção de Deus à respeito do que é ou não é a verdade. Antonin Artaud, um homem do teatro da primeira metade do século passado, em um texto intitulado “Vida e morte de Satã, o fogo”, escreveu que a Renascença ao invés de ser uma evolução da humanidade, era uma diminuição, porque tentou domesticar a loucura e compartimentalizá-la dentro da razão, dizendo que “a realidade tinha suas leis, sobre-humanas talvez, mas naturais”. Reivindicava que o ser humano tinha perdido a visceralidade em seus atos. E Artaud queria transformar sua arte na própria vida.

Como disse uma vez a “louca” Jardelina da Silva, “o diabo não é má pessoa. Ele só é besteirento”. Ou um artista perigoso que se faz de criminoso, criando suas próprias leis para poder infringi-las, como nos revela Gustavo Bernardo, no texto “O diabo irônico”.
O fato é que depois que o Dr. Freud liberou o inconsciente do claustro das esferas demoníacas, falar do diabo e fazer “coisas do Diabo” passou a ser uma das possibilidades de se pensar a neurose e a loucura em nosso tempo. Não mais com a repressão dos instintos que habitavam a imaginação da época dos que pintaram a loucura como possessão do demônio – tais como Hieronymous Bosch (1450 - 1516) e Pieter Brueghel (1525 - 1569) – mas como forma de pensá-la em nossa realidade, dentro de cada um de nós. Como pregava o movimento Surrealista, do qual Artaud fez parte.

Interpretando a interpretação

2006-05-13T11:17:00.000-07:00

“Reprodução proibida” (1937), de René Magritte: entendimento subjetivo de uma mensagem

Laudo técnico – O que está escrito, escrito está. Mas o entendimento do que é lido é o mesmo para mim e para você? Ou devemos entender a leitura do que está escrito sob o prisma de olhares distintos?
Para um texto, digamos, técnico, exato, linear, a compreensão dos códigos de determinada leitura pode ter a mesma finalidade. Por exemplo: um manual que ensine a ligar um aparelho eletrônico. Então para quem lê e quem escreve, quando a tomada é ligada, o que estava escrito provou estar conectado ao real. Mas para um texto poético essa mesma ferramenta de leitura pode não servir. Ou, para ser mais exato em nossa inexatidão: quando o poeta diz lata, pode estar querendo dizer o incontível, canta Gilberto Gil em uma de suas canções.

Voz poética - “No chão minhas palavras florescem. Eu não comando as minhas palavras. Elas que gostam do chão e das coisas desimportantes. As palavras me elaboram”, disse o poeta Manoel de Barros em uma entrevista. Para compreender tal frase é preciso ter o sentido da metáfora e da subjetividade como forma de leitura do mundo, além de saber reconhecer letras e palavras para seguir um sentido exato de instruções de uso.
Jorge Luis Borges, o escritor argentino, dizia que a obra, quanto mais interpretações for capaz de incorporar, mais artística se torna. Defendia a capacidade de cada leitor entender a seu modo o que tinha diante dos olhos. Também o poeta Paulo Leminski, que em um texto do livro Anseios Crípticos, diz que o receptor é criador da obra, também. E que o poeta, o artista, seria uma espécie de provocador dessa re-criação. E era essa a proposta, também, do artista plástico Hélio Oiticica, com seus trabalhos que buscavam a interatividade com o público. Ou seja, no momento em que suas obras eram usadas e vestidas pelo “participante” da performance, antes chamado de espectador.

Real virtual – A interatividade, tão propalada hoje, no mundo virtual, não é a de quem se vê fora daquilo que lhe é dado a ver – ou melhor, sentir. Ou seja, o computador de um lado, o manipulador de “mouse” do outro. Mas a de alguém inserido em um contexto que só passa a existir à medida que se mergulha nessa realidade. É mais do que se informar. É conhecer. Compreender. Inteirar-se.
Nesse sentido, a função da obra de arte – poesia, artes visuais, dança, etc. – não seria a de levar o espectador/receptor a uma conclusão previamente determinada, mas a de abrir-lhe possibilidades subjetivas de ação. Parte dessa questão, aliás, passa pelo entendimento do que é realidade e de sua tradução, através de linguagens, para diferentes mídias: jornal, tv, rádio, exposições, apresentação de espetáculos, livros, etc.

Decodificação de linguagem – Uma comparação entre dois filmes de cinema pode servir de exemplo para pensar esse tema de interpretação de linguagens. O primeiro é o filme Fahrenheit 9/11 (2004), de Michael Moore. O segundo é Easy Rider (1969), com Peter Fonda, Dennis Hopper e participação de Jack Nicholson.
No documentário de Moore, a família Bush e a família Bin Laden têm interesses em comum e George Bush sabe que haverá um atentado terrorista contra seu país. Além de não tentar detê-lo, ainda usa o fato para tirar proveito próprio e enganar a opinião pública. O filme é direto e não deixa margens a interpretações: Bush é culpado e ponto.
É certo que não há, propriamente, invenção, distorção ou mesmo mentira no filme de Moore, mas ele é conclusivo, fechado às interpretações, partidário.
Já em Easy Rider, que mostra a aventura de dois jovens andando de moto no sul dos Estados Unidos, em 1969, e que são assassinados pelos caipiras dos lugares aonde passam, a forma de mostrar a violência, ou, a forma de narrar o drama não toma partido por nenhum dos lados. Peter Fonda declara que, à época, quando o filme passou naqueles lugares aonde a ação se desenrola, que os caipiras aplaudiam quando os mocinhos eram assassinados. Que gostaram do filme pelo avesso do humanismo que era mostrado. Ao optar por não levar nenhuma lição moral ou mensagem – por mais construtiva que fosse – no filme, mas, simplesmente mostrar os fatos, o filme dá ao espectador a chance de revelar sua própria visão de mundo, sem se tornar um instrumento de julgamento moral ou ético.

Análise de dados – A leitura do real, segundo a hermenêutica, depende da crença nos Deuses e em verdades absolutas. Quando isso ocorre, são os dogmas que ditam as regras sociais, políticas, culturais e comportamentais. E, muitas vezes, alguém, ou algum grupo, usando dessa lógica para tomar ou se manter no poder. E isso pode ser necessário, mas às vezes é perigoso demais mexer com fios descascados. E a lâmpada que ao final se acende nem sempre é aquela conectada à tomada de eletrecidade.

MISS PIMACO

2006-04-10T11:20:00.000-07:00

Fotos: Ana Carolina Lucca

Miss Pimaco

“Por mais que eu ande
Nada em mim imagina
O que é que tal menina
Tão pequena está fazendo
Em uma cidade tão grande”
Paulo Leminski

Estive em São Paulo, semana retrasada e, como sempre, fui atrás das exposições de arte, em cartaz. Vi a Lygia Clark na Pinacoteca do Estado, uma coletiva na Galeria mariAntonia, mas nada realmente mexeu mais comigo do que essa colagem, que me pegou de surpresa, quando eu entrei na rua Aurora, vindo da av. São João.
Quem conhece a região sabe que ali é lugar de prostituição, das casas de striptease, dos cinemas de filmes pornôs, das bancas de revistas e vídeos de sacanagem e que não há nem um orelhão telefônico na região que não esteja totalmente impregnado com adesivos de prestação de serviços sexuais, oferecendo desde garotas virgens até sexo bizarro, ao gosto do freguês.
Esses adesivos são comprados por folhas, subdivididas e cortadas, para que a pessoa possa imprimir o que quiser e colar em diferentes superfícies. Uma das empresas que vendem essas folhas chama-se Pimaco. Qualquer um pode comprar na papelaria, a folha de papel adesivo Pimaco. E imprimir uma mensagem na impressora de um cyber qualquer. E sair colando anúncios por aí. É o que fazem os que oferecem programas de sexo na região da São João.
E foi lá que eu encontrei Miss Pimaco – a mais bela de todas elas! Ainda estava úmida a cola de farinha que usaram para pregar o cartaz. Sua viscosidade assemelhando a esperma. Não me liguei na hora, estava distraído. Um passo depois de passar o cartaz, quando ela mexeu comigo, como se piscasse, me chamando para um programa, aí sim, percebi. Feita com tinta spray, o desenho de uma mulher tipo sereia, sobre uma camada de pelo menos um milhar de adesivos Pimaco (p.s. : Pimaco não paga merchandising por esse texto), roubava-me a atenção.
Sobre seus olhos uma tira negra, como se ela fosse alguém, menor de idade, envolvida com a policia, cuja identidade fosse preciso preservar. Uma faixa dourada cobria-lhe de glamour, no entanto, onde se lia: Miss Pimaco.
Miss Pimaco são as putinhas que enfeitam o imaginário de todo homem; as fodidas sem saída no mundo cão; as imigrantes que chegam à Sampa querendo ser alguém e acabam se obrigando a fazer michês; as fodonas que aprontam sabe-se lá o quê; as loucas do sexo bizarro; as strip-girls da região da São João, que sobrevivem mexendo com a fantasia dos homens; as que ficam doentes, também, e a gente nem sabe. A que me fez chorar de emoção.
Para arrematar, um poema do genial Leminski, compunha, com o restante da colagem, uma delicada forma de arte mural, onde tudo parecia obedecer a um deus caprichoso, fazendo do precário, o durável; do bruto, o delicado; tirando força da fragilidade; da aridez, um oásis; da passagem, a continuidade.
Tudo o que se deseja de algo que possa ser denominado de Arte de Rua – que é quase sinônimo de transgressão – é que ela se volte para o entendimento da massa e para o coração das pessoas, sem o peso institucional a lhe sustentar qualquer estatuto ou proteção. Ao contrário, qual é o tempo de exposição de um grafite, de uma pixação, de um cartaz colado na parede de algum lugar? E, ainda mais quando o que se vê só poderia ser visto naquele momento, naquele lugar. E não em outro. Um site-specific (local específico) que se alonga: o lugar está na pessoa, mesmo que a pessoa não esteja mais no lugar.
E foi ali, na rua Aurora, em uma tarde qualquer, mas especial, porque aberta à emoção do instante, que Miss Pimaco – a jovem que ganhou vida nas mãos de alguém que assina Spray Poético - SP, identificando seu(s) autor(es) – levou-me às nuvens. Em meio ao concreto irremediável de vidas que batalham um lugar no mundo. Depois que já tinha desistido de procurar pela Arte.

Oportunismo de mercado

2006-03-28T05:40:00.000-08:00

Um dos cartazes da manifestação “integração sem posse”, na capital paulista.

- “Oportunista, aproveitou a bobeira da zaga adversária e fez o gol”. Essa frase poderia ter sido pronunciada por qualquer locutor esportivo narrando um jogo de futebol. Nela, o sentido da palavra oportunista mostra a qualidade de um jogador capaz de tirar proveito da desatenção alheia e acertar a meta. De fato, uma das acepções dessa palavra está na “habilidade em tirar partido de circunstâncias ou fatos para a obtenção de algo”, como nos ensina o dicionário.
Uma busca pela internet e a palavra oportunismo, ou, oportunista, aparece em mais de 10 páginas. E fala, geralmente, sobre política e ou políticos. A mais densa e, talvez, que origina os outros discursos, talvez seja a do revolucionário russo W. I. Lênin, que, em 1916, escreve um artigo criticando antigos companheiros que tinham abdicado à luta de classes, ainda que a defendessem, em teoria. De lá para cá, a sede dos revolucionários das causas operárias cada vez mais encontra alívio nas coligações e composições com as estruturas e partidos da burguesia. E o oportunista traidor da causa social se torna uma espécie de jogador de futebol que pode chegar até à presidência.

Mas não só em futebol e política partidária que isso acontece, a palavra oportunista vem acompanhada de uma aura de malandragem que parece até designar-lhe certo charme, o contrário do otário, outro representante do imaginário que se construiu sobre a figura típica do brasileiro.
Para quem quiser saber os exemplos de como funciona essa engrenagem no Brasil, não pode deixar de ver o filme “Quanto vale Ou é por quilo?”, do diretor Sergio Bianchi. Na película, o diretor faz uma análise das ongs e das empresas que faturam sobre a miséria no país, traçando um paralelo com a negociação de humanos, na época da escravidão. Em um dos trechos do filme, duas senhoras, representantes de entidades filantrópicas, brigam pelos mendigos que encontram na rua, cada qual interessada em “assisti-los”, a troco de manterem suas instituições recebendo verbas. E é nessa toada que o filme passa por questões como a de empresas poluentes, ou escravagistas, mas com selo de “responsabilidade social” em suas logomarcas.

Esse olhar “oportunista” está tão impregnado em cada um de nós, que seria o caso de perguntarmos, também, até que ponto nossa desconfiança sobre tudo e sobre todos, não é, ela mesma, oportunista? O próprio filme citado está nesse fio de lâmina: não seria um oportunismo falar dos oportunistas? E o que poderia ser revolucionário – ou o contrário de oportunista – em um momento que o conceito de luta de classes parece imerso nas mãos de tantos “oportunistas”?
Em São Paulo, o governo municipal e estadual tentou retirar mais de 400 famílias de um prédio ocupado, na rua Prestes Maia. Coletivos de artistas têm se mobilizado para, junto àquelas pessoas, constituírem resistência até mesmo à força policial que reprime cada manifestação à base de cacetetes. O antigo proprietário do edifício deve mais de 5 milhões de impostos. Assim mesmo o poder público não quer vê-los no centro da cidade. Lugar de pobre, na concepção desses políticos, é a periferia. Quando muito. Mas nem tudo está perdido! Uma liminar do governo federal adiou a reintegração de posse ao antigo dono. E os artistas estavam lá, mais uma vez, como em outra vez tiveram, agora, também para comemorar. Assim como estão juntos em outras ocupações na capital. Resistindo com os menos possuídos. Aos que os chamam de oportunistas, por pegarem carona nos movimentos sociais, os artistas, simplesmente respondem com seus trabalhos, onde arte e atitude política caminham de mãos dadas. Quem quiser, pode acessar o site http://integracaosemposse.zip.net/ , da internet, que eu – “oportunisticamente” – busquei para escrever um texto sobre “oportunismo”.

Liberdade de expressão

2006-03-28T05:35:00.000-08:00

Foto de Robert Mapplethorpe (1946 – 1989)

“Liberdade! Liberdade!
Abre as asas sobre nós.”
Do Hino da proclamação da República

Direito à liberdade
Para um pais que viveu ditaduras – Vargas e Militar, pelo menos – ter assegurado direitos de liberdade de expressão, já é um grande passo: pensar e agir não mais são crimes, seja político, moral ou religioso, principalmente.
A desordem gera o caos, a entropia. A ordem gera a harmonia, ensina o Zen.
Mas entre o direito à livre expressão e a expressão livre, muitas camadas de opiniões ainda recobrem o ponto até aonde pode ir a liberdade de cada um. A máxima diz que a liberdade de um não pode ameaçar a liberdade do outro. E, também, que, liberdade exige compromisso, responsabilidade. Mas não seria isso uma contradição? O fato é que ninguém pode matar outro, em nome de seu direito de liberdade. Ou proclamar a ditadura, na Democracia. Ou desmerecer a cultura e a religião alheia, por intolerância.

Interpretações
Trotski, em seu manifesto de 1938, escrito no México, junto com André Breton, intitulado “Por uma Arte Revolucionária Independente”, diz que ao artista cabe o anarquismo, mas que toda sua produção deve estar voltada para o novo homem que surge da situação revolucionária. Seria o caso de se perguntar se, ao justificar o conceito de liberdade, é permitido, seja dentro de qual regime for, dizer ao artista que seu trabalho exclua, ao menos, uma ou outra possibilidade, porque isso poderia se transformar em uma espécie de manual de conduta, um cerceamento da criatividade. E toda a liberdade – mais do que do artista, do cidadão – estariam comprometidas.
Mas é de se pensar, também, que temos a obrigação de conservar a liberdade em nossas mãos, para que não nos seja imposto um modo de vida com o qual não concordamos.

Liberdade de direito
Muitas vezes esse discernimento não é tão simples assim. Foi preciso a Companhia de Tratamento de Água de uma cidade da França intervir em um trabalho de “arte”, quando um sujeito quis expor o vazamento de água de uma torneira, ralo abaixo, como obra de arte, durante o mês que sua exposição estava marcada. Quando entrevistado, o “artista” disse que seu trabalho era para chamar atenção para o desperdício de água no mundo. Um contra-senso!
Nesse sentido, é até interessante uma lei, na Europa, em que a propaganda de símbolos nazistas é proibida. Recentemente um antigo servidor do regime de Hitler foi julgado, por ter dito, tempos atrás, que o holocausto não tinha sido um crime. Acostumados a falar o que quiser, estranhamos o fato de que, na evoluída Europa, possa haver alguma espécie de censura. Mas o trauma da Segunda Guerra deixou a Europa apavorada. Sem contar que o sujeito processado, em questão, faz palestras, até hoje, para a juventude de extrema-direita onde quer que o chamem. Tem mais. Para quem pensa que o nazi/fascismo foi enterrado, a saudação nazista que os jogadores do time do Lazio, na Itália, fazem aos seus torcedores, não deixa dúvidas de sua existência. E, como todos sabem, “o preço da liberdade é a eterna vigilância”.
Aquilo que caberia ao artista revolucionário, de Trotsky, foi condenado na Alemanha, do Terceiro Reich, como Arte Degenerada. E muitos Klees, Picassos, e artistas do Expressionismo e do Dadaísmo foram banidos, presos ou jogados em uma câmara de gás, em nome de uma Arte Clássica, ou, Realista, como no caso da Rússia, nas mãos de Stalin, à época.

Democracia e Liberdade
Nos Estados Unidos, considerado a grande Democracia Mundial, muitos artistas tiveram que se calar, por seus trabalhos, dado a intolerância moral e comportamental de seus cidadãos. Em 1989, a obra de Andrés Serrano, artista nova-iorquino, “Piss Christ”, foi censurada, tendo à frente a campanha da “American Family Association”, porque o artista colocou um crucifixo de metal dentro de um recipiente com urina e fotografou a cena. Filmes como “Eu vos saúdo, Maria”, de Jean-Luc Godard, ou “A última tentação de Cristo”, do diretor Martin Scorsese, também foram vítimas de perseguição. E as fotos do artista Robert Mappletorphe – que depois de morto foi homenageado com várias retrospectivas – foram consideradas imorais à época, na década de 80, por mostrar fotos de situações homo-eróticas.
Desde o Romantismo, pelo menos, com a democratização da arte, gerada pela Revolução Francesa, os artistas vivem o paradoxo de, por um lado, ter a defesa da liberdade como princípio e, por outro, ter que prestar contas, seja ao mercado, seja ao Estado. E muito do que pode ser ou não mostrado, escrito, divulgado, ainda depende da conciliação de interesses, cuja Liberdade nem sempre é mantida conduzindo o povo, como no famoso quadro de 1830, de Eugène Delacroix.

pelos muros da cidade

2006-03-09T06:33:00.000-08:00

Ilustração de Cláudio: assinatura escrita com traços originais

Pelos muros da cidade

“Cláudio” é o seu nome. Não precisa do sobrenome. Sua assinatura pessoal está estampada nos muros de Londrina, em cada pintura que faz. São impressionantes. Elas mantêm com o centro da cidade um embate, como se fosse uma guerra entre a imagem de arte, lúdica, dada ao deleite e as peças publicitárias, invasoras, dominadoras – como o impacto visual da publicidade de marcas de celulares em prédios históricos – poluindo a cidade.
Mas, enquanto a imagem comercial parece estar em terreno próprio, como se o uso da cidade fosse só para o comércio e o lucro, simplesmente, a outra esbraveja, afirmando, mais uma vez “o uso contra a propriedade”. E explora essa cidade, buscando em muros acinzentados e ásperos a textura própria de trabalhos em preto & branco, com mil e uma “manhas” com o bico do spray (“cada um custa 12 reais”, ele diz) cuja tinta sai mais ou menos densa, conforme seu desejo (ou a necessidade do desenho). O P&B, aliás, não é uma carência de cor, mas uma opção que torna mais trágica a imagem. Que lhe dá uma densidade dramática, em que a cor, no caso, poderia resultar em algo cômico. E embora suas imagens tenham uma aparência de histórias em quadrinhos, elas não nos fazem rir, exatamente. Elas nos indagam e projetam no espectador o desconcerto de um enigma: o que é que você está olhando aí, meu?

Quem vê os grafites de Cláudio nas ruas, em muros como o da Praça da Concha Acústica; ou no muro do estacionamento das ruas Pernambuco com Pará; no banheiro do Calçadão, perto do Ouro Verde e tantos outros, não imagina o cuidado com que são feitos. Cláudio projeta o que vai ser na parede. Namora o muro, passa por ali várias vezes antes de se decidir por realizar sua intervenção. Cria estratégias: a que horas chegar, com que quantidade de luz pode-se contar, etc. Sabe que, apesar do valor de seu trabalho, o grafite é visto como uma atividade clandestina, ainda se confunde pichação com grafite. Arte com vandalismo.
O desenho, já esboçado em papel, está pronto para tomar a rua. É hora do embate.
Embate, que fica evidenciado quando ele traça ao redor da silhueta do seu desenho uma linha branca, separando seu trabalho do caos urbano, ao mesmo tempo em que o reafirma, no absurdo de olhar o absurdo: a cidade inchada de gente, de prédios e de sujeira e o seu desenho/pintura/grafite a nos indagar sobre aquilo que olhamos. E, ao nos indagar, nos toma, melhor, nos rouba, como se fosse um marginal, um bandido, um delinqüente que nos aprisionasse, por instantes. Depois, engatada a primeira marcha do carro, partimos para o próximo sinal vermelho, dentro da cidade aberta.
Suas imagens geralmente contêm algo de propositalmente onírico, algumas delas com detalhes de talismãs junto a elementos tridimensionais, como se lutassem a ilusão e a realidade dentro do mesmo domínio plástico/visual, querendo vazar fora da parede onde foram pintadas. E nos agarram com suas precisas formas deformadas, sugando-nos com um olho que se agiganta, uma letra que escapa da lógica do texto lógico transformada em signo plástico, surreal.

O grafite urbano, em si, não é nenhuma novidade. Já foi usado e abusado. Virou senso comum. A maioria é chata e abusam da inteligência e do gosto de quem passa. Porém, o que chama a atenção nas imagens de Cláudio é a qualidade do traço. Qualquer um pode usar os muros da cidade e fazer a pichação que quiser, criando seu próprio “tag”, sua marca. Mas a “assinatura” de Cláudio é seu próprio desenho: com nome e sobrenome.
Não são grafites de protesto. São grafites de atitude. Ao “roubar” o imaginário do passante, faz da cidade sua sala de exposição, um museu aberto. Retirando da matéria fria de paredes surdas e cegas um pungente traço de humanidade.

ILUMINAÇÕES

2006-01-31T12:20:00.000-08:00

Iluminações

"Luz é matéria. Sem ela não há cor. Sem cor, nada de tinta. Sem tinta, não haveria pintura. Sem pintura, não teríamos a frase de Leonardo da Vinci, que dizia ser a pintura, uma coisa mental."
Hilário Mertz

Delírio poético – Como quem busca o interruptor de uma lâmpada para acender na escuridão opaca da página, procurando seguir caminhos que levem às idéias luminosas, palavras vão sendo tateadas, a procura de algo para apoiar-se, e de encontrar um assunto para tornar-se texto, de encontrar brechas para clarear o escuro fechado que está por dentro do pensamento. E as palavras surgem, ao mesmo tempo em que se inscrevem nelas o desejo de iluminação.
Com um golpe ardiloso, o espelho inventa narciso se admirando no lago de sua própria retina, refletindo um homem à procura de luz: Diógenes, o cão, a procura de um homem com sua lâmparina. Em cada um, luz e sombra definindo o contorno do que somos.

Religião = Religare – Na prática budista, o Satori é o estado de iluminação. Quando o praticante de Zazen (técnica de meditação) atinge a compreensão absoluta da existência, ele se torna um com todos e tudo, liberta-se do ego e os sofrimentos acabam, pois é descoberta a verdadeira essência de Buda.
Mas, nesse caso, além da disciplina do discípulo, é preciso ter fé. Acreditar em algo que não se vê, não se mede, não se tateia, e – por paradoxal que seja – não necessita de crença. Essa, uma das distinções do Budismo com o Cristianismo.

Quase uma filosofia – Despertar para uma situação, sacar uma questão, desvendar um problema ainda não é resolvê-lo, mas já é uma certeza que há um interruptor ao nosso alcance capaz de acender uma luz. De que, com a iluminação do ambiente, é possível fazer algo, nem que for para deixar a luz apagada por mais um tempo, perceber o silêncio e apenas contemplar o vazio. E, ainda assim, saber estar em algum lugar, posicionado diante de tudo que está à volta, dentro e fora.

Em nossa sociedade, a maior angústia das pessoas é aceitar o vazio. Temos pavor de ficar perdidos, ainda que a solidão possa ser uma grande companheira. Por isso, inventamos as cartas de amor, mas também as guerras, as metáforas e as representações. Diferente para cada época, mas sempre procurando expressar nossos sentimentos, para que a história guarde dentro dela a luz do nosso devir.

Antes arte do que tarde – Por isso a arte, para aprender que somos livres e complexos, ao mesmo tempo. Corpo e espírito, matéria inflada de energia. Como o fio de luz que entra agora pela esperança de saber que quem está por vir, está a caminho. O interruptor fica esquecido na parede. A porta se abre. É dia, é verão. Há luz.

a máquina do sonho

2005-12-22T09:46:00.000-08:00

“Perspicácia”, de 1936, de René Magritte (1898-1967): Delírio Surrealista e pensamentomágico

A máquina do sonho

[este texto foi escrito inspirado na escrita automática dos Surrealistas e no método de (não) reconhecer as horas pelos aborígines da ilha Aran]

Entre a loucura e a normalidade – Há anos freqüentava o consultório do psicólogo sem conseguir identificar a menor partícula de seu eu. Um dia, falando coisas desconexas, disse que dirigia um carro e... seu terapeuta interrompeu-lhe a fala – antes que seu discurso se perdesse no vazio abstrato das palavras e outro raciocínio incompleto trouxesse novas imagens soltas – para estimulá-lo a falar desta experiência de conduzir, dirigir, guiar, levar em frente algo em sua vida.

Aquilo poderia ser o início da construção de uma identidade há muito perdida, onde o dirigir um carro tinha a ver com a própria condução da vida. Em que vários mecanismos de atenção são acionados para se cumprir uma tarefa. A partir de um pequeno estímulo, talvez fosse possível encontrar a chave para que seu paciente começasse a pensar em si como algo íntegro, cumprindo várias funções, em razão de algum movimento que tivesse sentido e direção.

Se uma pessoa acredita que foi D. João VI, Napoleão, ou se é capaz de descrever cenas que diz ter vivido em outras vidas, ou inventa qualquer fantasia que lhe venha à cabeça, por que deveríamos querer encaixar em rótulos de normalidade e sanidade mental o seu delírio? Para nos sentirmos normais em relação ao outro? Ou porque não conseguimos acolher o que ainda resta de vivo e não formatado, nem padronizado, naquilo que nos é sinalizado? Não estaria aí a chance de ampliar nossa humanidade ao tentar compreender o ponto de vista do outro?

Caos e criação – Vivemos em uma época em que se espera pelo novo o tempo todo. Mas essa novidade só é aceita imediatamente quando proveniente de uma ordem racional e evolutiva. Quando a novidade suspende nossas certezas e convicções é logo tachada de absurdo ou loucura. O Caos sempre ofereceu material de sobra para as mais diferentes formas de expressão humana. Para os poetas, pintores, músicos, artistas em geral, profetas, videntes e místicos, o caminho que vai do caos à ordem e da ordem ao caos sempre foi marcado com os evidentes traços da loucura e do delírio, sem jamais deixar que a ordem e a razão determinem o fluxo do inexorável, que faz parte da vida, assim como o acaso, as intuições, as premonições e as sensações. Afinal, tudo é parte de um mesmo ciclo cósmico, da mesma unidade.
Às vezes, é justamente no estado de delírio, simplesmente movido por uma inquietação ou desejo interno incapaz de ser explicado, que nos tornamos mais fecundos, a ponto de parir, deste estado, uma obra, uma nação, uma cultura, ou uma identidade pessoal estruturada e consciente de nossa presença neste mundo.
Essa, talvez, nossa maior missão no planeta. Ainda que, para quem nem ao menosconsegue executar uma tarefa simples, como se comunicar, vislumbrar-se em uma cena dirigindo um carro, passa a ser a possibilidade da conquista de um movimento, ainda que mínimo. E, deixar de avançar nesse momento – ainda que imersos no sono da inconsistência ignorante dos nossos gestos, pensamentos, atos e reflexões – seria como permitir que o tempo aprisionasse nossos desejos de transformação, fazendo de um movimento nascente algo repetitivo, autômato e mecânico e não uma qualidade a ser apreciada como poesia inserida no dia-a-dia. Até porque, em que outro lugar estaria a arte, senão na carne da matéria?

2005-12-21T09:18:00.000-08:00

Escultura de Henri Moore, em que os espaços vazios significam tanto quanto a forma aparente

O sentido sentido

“Se eu quisesse fazer sentido eu entrava para o exército”
Carlos Zago

Um carro passa, iluminando o asfalto de verde e sua presença se desfaz no instante seguinte. Rastros que se apagam imediatamente depois de sua aparição.
Sombras evoluem pelo espaço até pintar uma superfície qualquer, como uma parede, levitando no ar, em uma dança que revela sua ausência material. O negativo se revela pelo contrário do que aparenta, o vazio pelas bordas do objeto que o compreende. “O silêncio é o começo do papo”.
Pode-se explicar tudo, mas a explicação é somente uma parte da linguagem. Há outras, principalmente porque o discurso verbal é de ordem lógica e há percepções que não precisam de explicação para existir, mas convivemos com elas cotidianamente, como a intuição, o acaso, as sensações advindas do inconsciente e outras, pertencentes às chamadas ciências ocultas, ao universo da arte, etc. Mas a palavra na poesia foge a essa classificação, porque o discurso poético não pertence simplesmente à ordem lógica do raciocínio linear, ele é trans-verbal, está além do texto, além da simples informação e da comunicação como forma de conhecimento. Uma de suas materializações se dá, justamente, pelo uso de metáforas e formas que, ao falar de algo, podem dizer sobre várias outras coisas, também, simultaneamente.
E entre aquilo que nos escapa e aquilo que capturamos, está o tempo. Segundo a teoria da relatividade, podemos retornar ao passado, mas não nos adiantar ao futuro. Podemos até recuperar alguma memória ancestral, mas para predizer o futuro, como um profeta, só tateando as bordas escuras do desconhecido.
Não é à toa que é Tirésias, um cego, quem anuncia a tragédia que irá se desenrolar a partir do nascimento do filho do rei de Tebas, Édipo. Só um cego pelo vão das horas, por onde o tempo escoa.
As revelações, muitas vezes, surgem muito mais por aquilo que não é dito, do que pelo que é confessado. Escondendo ou tentando esconder algo, somos levados a sondar indícios e a fazer relações entre as coisas e seu significado, como ler sombras ou na aparição passageira de um carro sobre o asfalto. Somos tentados a “ler” o entorno do vazio, a descobrir a frase que ficou por dizer a partir daquilo que nos foge.
Voltando para a teoria da relatividade e avançando no caminho da subjetividade, para além da ordem racional e determinista, podemos pensar em um tempo “retardado”, mas não em um tempo “adiantado”, a não ser quando o assunto é da ordem da poética, ou a “suspensão” do tempo cronologicamente marcado, quando entramos em êxtase ou embarcamos em algum transe religioso ou quando esse êxtase é causado por alucinógenos. Aí tudo é sentido, até o sem sentido. E a noção de tempo e espaço se amplifica ou encolhe, como no livro “Alice no país das maravilhas”, do outro lado do espelho.
O tempo só é impossível mesmo parado. E assim mesmo, pode ser “congelado”, fotografado, condensado em uma imagem, em um poema, em um hai ku, em que tempo e ação se abrem em imagens que muito “dizem”, sinteticamente, em quantidade mínima de palavras. “O silêncio é grávido de sons”.
Pensar em que depois disso? Há coisas que não precisam de explicação, atravessam nossos sentidos e tudo o que persiste é apenas uma sensação que logo se evapora para que outra e mais outra sucedam enquanto um carro atravessa o asfalto, a sombra dança, o cabelo cresce, uma árvore dá frutos, etc. sem ter que explicar porque existem e, como tudo, passam.

2005-12-20T19:25:00.000-08:00

“In Absentia M.D.”, de Regina Silveira: trabalho em que se vê a sombra projetada do trabalho de outro artista e o pedestal nu.

Gênios do lugar-comum

Pressão criativa e lugar-comum – Em uma entrevista realizada alguns anos de falecer, o compositor Tom Jobim disse que a encomenda era uma excelente musa, referindo-se ao fato de ter de trabalhar sob a pressão de um prazo, para determinado fim – uma propaganda comercial, por exemplo. Coisa que, a principio, parece tão distante do que esperamos que venha a ser a arte. Principalmente quando se fala em um autor do quilate de um Tom Jobim.
“Chavão abre porta grande”, já cantou Itamar Assumpção. Ou seja, às vezes, usar um chavão, fazer parte do senso comum, viver um padrão estabelecido, pode ser, também, algo com alguma serventia para a criação artística. Mesmo parecendo um contra-senso, já que na cabeça da maioria das pessoas, arte e originalidade, ou arte e genialidade são quase sinônimos, como se o talento criativo estivesse em uma ordem superior do mundo. Mas nem sempre é assim. Ou, quase nunca é assim.
O rastro antes do passo – O fato é que ninguém cria do nada. Ninguém inventa algo novo e original sem que haja condições sociais e produtivas para que essa criação venha à luz. Talvez seja mais fácil dizer que as coisas querem ser criadas, inventadas, do que pensar que alguma coisa nova e diferente nasceu da cabeça de algum gênio inspirado.
Melhor imaginar que tudo o que existe já existiu, em outro tempo e dimensão do espaço. E tudo o que temos a fazer é seguir as linhas do já está escrito. Como se nossos passos já tivessem deixado rastros atrás de si antes de termos andado naquele caminho. Mesmo que nos recusemos a caminhar, ou que nos rebelemos contra o que já está escrito. Como já refletiu o poeta e filósofo Hölderlin, há mais de dois séculos atrás: “os filhos inventam os pais”.
Questão cultural – O plágio, a cópia, a citação e a referência estão sempre à mão para serem usados, manipulados. Vivemos na época onde muita coisa já existe. E tudo em excesso. Então, combinar uma coisa à outra, muitas vezes em relações insólitas, a princípio, pode ser muito mais interessante que tentar “reinventar a roda”. Ou, reinventar a roda sobre o banquinho, como já fez Duchamp, no começo da arte do século 20.
No livro e no filme “A Sociedade do Espetáculo”, seu autor, Guy Debord, coloca que “o plágio é necessário. O progresso supõe o plágio. Ele se achega à frase de um autor, serve-se de suas expressões, apaga uma idéia errônea, a substitui pela idéia correta.”
Não é à toa que a cultura do RAP se apropria do que já foi gravado e remixa sons e imagens de autores diversos, criando algo ao mesmo tempo familiar e estranho. Novo e usado. Melhor, ousado, porque embaralha as cartas do que é registro de patentes e direitos autorais. Agora, com a internet, onde uma montanha de informações está disponibilizada, então, nem se fale!
O roubo como arte – Em outra entrevista, desta vez entre o jornalista Nelson Sato da Folha de Londrina e o cantor e compositor João Donato, este lançou pérolas de lugar-comum sobre criação e invenção na música que deixaria qualquer purista corado de vergonha. Falando sobre uma música sua que Caetano Veloso usou, colocando-lhe letra, mas sem lhe dar os devidos créditos, Donato, ao invés de se passar por indignado, disse que isso era comum acontecer. Explicou que Nana Caymmi, filha de Dorival Caymmi, um dia perguntou ao pai se tal música tinha sido composta por ele e o músico baiano simplesmente respondeu que não, mas que assumia a obra. Ainda nessa entrevista com Donato, foi dito que uma vez ele ligou para o maestro Tom Jobim perguntando o que ele estava compondo no momento e o gênio teria simplesmente respondido: roubando algumas melodias. Como desfecho dessa deliciosa entrevista, Donato resume que “o artista jovem copia, o artista maduro rouba”.
Bem, depois que as próprias pessoas que consideramos gênios dizem esse tipo de coisa, parece que a culpa por não ter originalidade nenhuma vai embora e o que fica é o sabor de apreciar algo que está ao alcance de todos, independente de anjos, inspiração divina ou seja lá o que for. E que a pressão, o plágio, a encomenda e o roubo podem até tornar-se trabalhos bastante criativos, também.

rubenssa@hotmail.com

2005-12-13T19:00:00.000-08:00

Intervenção sobre foto (2002-2005)

Para fazer a dança da chuva

Quem não se lembra em filme de mocinho e bandido, que o índio era sempre amigo do vilão da história? Cena clássica de faroeste: um índio com penacho e roupa de franja, manga comprida, com rifle na mão, despencando de uma fachada de madeira, à frente da câmera. E dança da chuva, então? Dizem que faziam chover? Hoje, ninguém mais acredita. Nem eles, indígenas. Mas, loucura ou não, pensar nisto pode levar a conclusões não tão absurdas para os dias absurdos que hoje vivemos. Porque o equilíbrio ambiental é tão frágil que uma simples movimentação e vibração a mais nos átomos em nosso entorno podem mudar a configuração de toda a camada cósmica. Com a industrialização, com o desprezo pela natureza, a indiferença em face à fome dos miseráveis, com a crescente poluição, corrupção, etc. isso parece improvável e até ridículo de ser pensado.

Parece coisa de maluco, mas pensar em “dança da chuva” – aquela brincadeirinha que fazíamos quando criança, girando em torno do fogo, com as mãos na boca fazendo uh, uh, uh – em tempos de ALCA, Nafta, guerra imperialista, etc. é, também, questionar toda a colonização, produtos enlatados e a lavagem cerebral imposta como “cultura”, para reafirmar, mais uma vez que, enquanto houver resistência haverá quem ouse fazer a Dança da Chuva. I´m singing and dancing for the rain!
A chuva e a dança lembram outro personagem, o xamã - aquele que transita entre o mundo dos mortos trazendo mensagens aos vivos – que é o feiticeiro, o pajé, o curandeiro, o “padre”, o “médico” da tribo. Com a intervenção da cultura do branco sobre a cultura do índio, esse equilíbrio instável também não resistiu. E mesmo os índios já preferem tomar um remédio para aliviar dor no estômago do que confiar na sabedoria do pajé. Enquanto isso, nos laboratórios multinacionais, os segredos das ervas e plantas são clonados e patenteados sem que seus verdadeiros descobridores tenham qualquer possibilidade de acesso aos dividendos dessas “pesquisas”.

Voltando, o que é uma mentira? Para que ela serve? Serve para enganar os outros. Para levar vantagem sobre alguém. Para obter lucros e dividendos. Antes não havia mentira entre os índios porque não havia interesses comerciais entre eles. Ninguém precisava levar vantagem sobre ninguém porque não havia o conceito de propriedade. Lendas ancestrais não são mentiras, fazem parte do mito. É outra coisa. Então, quando um xamã promovia a dança da chuva, um ritual de cura, um pedido de ajuda aos deuses para encontrar alimentos, por exemplo, aquilo era uma verdade para toda a tribo, para toda a comunidade. Não existia a desconfiança, a mentira não fazia sentido. Mas à medida que os povos indígenas foram entrando em contato com os brancos e sendo enganados, e suas terras tomadas, então uma enorme dúvida se instalou no meio deles. E o que era pureza se transformou em ingenuidade e ingenuidade em um mal a ser evitado. É engraçado, nas tribos, ser um “padre” é sinal de poder e qualquer um pode sê-lo, desde que conte uma história mirabolante de como lhe aconteceu de se tornar um “vidente”. Com sua fértil imaginação e com a possibilidade de se tornar importante, rapidamente os mais espertos se colocam à disposição para curar outros membros da tribo. E até para brancos eles fazem rezas. Ganham sempre um presente por isso.
A arte de enganar (e de se enganar) é o motor que move o que comumente chamamos de arte. Não há um índio na foto, há uma representação. Não é uma pessoa: é papel e tinta. Não é um rosto: é uma máscara. No entanto, ela nos desperta a imaginação. Mexe com a nossa curiosidade. Toca nosso sentimento. Já disse Pessoa que “o poeta é um fingidor”.
E o vilão do cinema “hollywoodiano”, aquele índio “de araque”, já nem existe mais. Hoje ele se veste de John Wayne, no feriado do “dia dos índios” e se entrega à festa do “peão boiadeiro”, debaixo de muito funk. Mas em algum lugar, pode ter certeza, alguém deve estar plantado dúvidas no solo onde a certeza absoluta é a verdade imposta. Chova ou faça sol.

pileggisa@hotmail.com

2005-12-11T07:03:00.000-08:00

“Star Gazing”, de 2004. Obra do artista alemão Hans Haacke: forte conteúdo crítico e político

Arte e política
Rubens Pileggi Sá

Um chavão: “a arte não muda a realidade. Quem muda a realidade são os homens. A arte muda os homens”. Embora fosse adorável que a arte mudasse a realidade social e econômica, acabasse com as injustiças e eliminasse a miséria, qualquer artista que se pretender a isso fará de seu trabalho uma sopa rala e sua pessoa cairá no ridículo de uma delirante utopia.
Duchamp nunca se meteu em política. O trabalho dele colaborou, de certa forma, a pensarmos diferente sobre qual era o assunto da arte. Abriu olhos e mentes para uma questão que, até então, ninguém havia elaborado. O que dizer de da Vinci, então? Projetava armas de guerra a qual governo lhe pagasse a sobrevivência, ao mesmo tempo em que é um dos grandes expoentes do espírito humanista de sua época. Nunca parou para fazer “arte para os pobres”, que eu saiba. Mas, a partir de artistas como da Vinci e Duchamp (para não falar em centenas, talvez milhares de outros) o mundo nunca mais foi o mesmo. Ou melhor, nunca mais foi visto do mesmo modo. Ou, pensado.
Não que tenha melhorado, sejamos realistas, mas ai daquele incapaz de se deixar tocar pela estética, daquele que for insensível à beleza. Daquele que é indiferente à existência do arco-íris (e saber que o mundo está cheio deles!). “Eles passarão/ eu passarinho”, já disse o poeta Quintana.
Aliás, sobre movimentos artísticos que se queiram ideológicos, devemos ao Futurismo italiano do começo do século passado – a Marinetti e sua turma – muitas das inovações no campo da arte. Mesmo que esse movimento fosse de cunho nitidamente fascista. Também o poeta Ezra Pound foi seduzido pela magia do “duce” Mussolini. E o filósofo alemão Martin Heidegger foi elevado ao posto de reitor em uma universidade, à época da ascensão do nazismo. E o artista Beuys serviu ao exército alemão na Segunda Guerra.
Mas seria um canalha aquele que não visse na obra desses homens o que de mais profundo pode brotar da consciência humana, ainda que tenham feito escolhas políticas completamente equivocadas para quem as analisa hoje, à distância.
É preciso que se diga que foram pessoas de “esquerda” – como os poetas concretistas – que viram o que havia de revolucionário na obra desses artistas de “direita”: era a linguagem que usavam em seus trabalhos. Inovações no campo estético que, aparentemente, não serviam (e não servem) para uso político. Mas isso determinou uma mudança tão radical de sentido, que é preciso considerar tal fato antes de jogarmos todos à fogueira da inquisição por não terem sido “politicamente corretos”.
Quando o assunto é arte e política, a polêmica se instaura, mas – quer queira ou não – a própria atividade artística é revolucionária, em si. Não há nada mais perigoso do que alguém que é livre!
E para o artista que deseja realizar qualquer obra que tenha consistência, é preciso, em primeiro lugar, se desapegar de rótulos, tendências da moda, ou engajamento militante, porque essas coisas engessam a consciência e os dogmas impedem os questionamentos, quando as verdades estão cristalizadas. O que não impede ninguém de ter crenças políticas. Lutar por causas claramente justas, etc.
Arte e política deveriam formar um par ideal, mas a tendência desse casamento é se tornar problemático demais para dar certo, principalmente quando a causa é partidária ou classista. A arte, ao tentar ser direcionada, torna-se chata, fraca, “denuncista”, linear. E a política vai querer manipular a arte. E a arte não serve para cumprir essa função.
Arte política é não só possível, como necessária. Mas é bom ter sempre em mente uma bela (!) frase atribuída a Buda: “minha doutrina é para pessoas inteligentes”. O resto, ou é lavagem cerebral ou é panfletagem, tentativa de se aparecer, ainda que seja por justa causa. Melhor, no caso, ouvir Belchior: “enquanto houver espaço/ tempo/ e algum modo de dizer não/ eu canto”.

pileggisa@hotmail.com